Fino al 10.III.2018 Ho Ho Ho Frutta, Roma

Uno spazio incastonato tra gli stretti vicoli del centro, un inciampo tra gli assi della città e i percorsi di chi la abita, una dimensione altra immersa tra la stringente totalità comunitaria e l’alienante condizione di singolo, uno spazio tra i meandri della contemporaneità, uno spazio “tra”.

Frutta Gallery rappresenta oggi questo strappo imprevisto nel tessuto cittadino grazie al progetto “HO HO HO” a cura di Alek O., Gabriele De Santis, Santo Tolone e Spring, dove le opere di un folto gruppo di artisti vengono proposte nell’ambiente della galleria, trasformato per l’occasione in una sorta di hortus conclusus, e inserite in una natura artefatta nella quale a spiccare è un totale ribaltamento del reale. 

Un sentiero fatto di terra ci introduce nel luogo in cui la ricerca artistica diventa condivisione, tra alberi, piante, specchi d’acqua, rami e montagne di foglie secche, generando la sensazione di una natura  che non vive per sé ma crea spazio e si trasforma in opera d’arte.

Un sistema apparentemente aperto e tuttavia racchiuso tra le pareti bianche della galleria, ridisegnate e ampliate rispetto alle reali dimensioni, dove il visitatore, assorto nello studio del dettaglio, si trova circondato da installazioni in cui a prevalere è l’eco lontano dell’elemento naturale, sovrapposizione che produce un totale stravolgimento sensoriale. Nella costante alternanza di pieni e di vuoti, immersi nell’odore e nella varietà delle piante locali, le opere si rivelano calamitando lo sguardo.

Uno scontro ma anche un dialogo riuscito tra arte e natura che si manifesta in una successione di lavori dal carattere evocativo come Casual Friday (2013) di Ditte Gantriis, tela dalla peculiare forma ondulata, custode di una certa memoria ornamentale; l’opera su carta di Alek O., Santo Tolone e Gabriele De Santis, Ho Ho Ho, Unlimited Editions (2017); Untitled (2017) di Jonathan Monk; Sasso 1, Sasso 2, Sasso 3, Sasso 4, Sasso 5 (1982-84) storico lavoro di Enrico Benassi che utilizza la morfologia delle pietre come base per animare un elemento altrimenti privo di significato; Nextfilm (2016) di Roberto Coda Zabetta, nel quale la resina viene usata dall’artista al posto del colore dando vita, attraverso la sovrapposizione di vari strati, a un paesaggio materico dalle linee morbide; le delicate sculture in jesmonite di Holly Hendry, Nasothek (2017); Cigarettesanddietcoke (2014) di Marco Giordano, un sasso di grandi dimensioni lasciato a terra, il posto da sempre deputato, snaturato e reso apparentemente estraneo dal colore verde della vernice acrilica, mutato in un oggetto di plastica dall’intervento dell’autore; October Leaves (2015) dell’artista inglese Lauren Keeley, un’opera ibrida, una scultura in legno e tessuti serigrafati a mano che, attraverso la stratificazione di immagini, tecniche e materiali, porta lo sguardo a infrangere i limiti della stanza, attribuendo all’esposizione un’ulteriore livello di significato. Il poster di Elisabetta Benassi, Bushman has a new toy (2013), parte della serie dedicata all’omonimo gorilla, si inserisce in questo contesto come un suggerimento, rafforzando ulteriormente l’illusione, e orientandosi in realtà verso il tema del recupero della memoria, che caratterizza la ricerca dell’artista; nei suoi lavori immagini, personaggi e oggetti che provengono dal passato sembrano tornare in una sorta di risalita dalle profondità della storia, prefiggendosi la finalità di giungere a una comprensione delle ragioni del presente.

Un’energica pausa in questo equilibrio è rappresentata dal lavoro di Sol Calero, La Sauna Caliente (2016), una tenda dai colori vivaci che, posta al centro dello spazio, come punto di rottura e quinta scenografica, cala dall’alto per circoscrivere le opere di Santo Tolone, Chicago di notte (2017), e di Gundam Air, Minestrone (2017), restituendo loro una giocosa e necessaria intimità.

Concludono la sequenza i lavori su carta dal carattere performativo di Jacopo Miliani, Shades (2017), la moneta di Ryan Gander, We never had a lot of € around here (2010) e l’opera di Santo Tolone, O ($,L, €) (2016), accomunati dalla ripresa e dalla reinterpretazione del tema dell’objets trouvés; oggetti esteticamente invisibili nell’ambito della vita ordinaria che vengono trasformati in opere d’arte, favoriti, in questo caso, dalla loro qualità di poter essere facilmente persi in un bosco; ed è quello che accade, solo il visitatore attento è deputato a un nuovo ritrovamento.

Il progetto “HO HO HO” rappresenta quindi un’esperienza immersiva e fugace che dimostra la capacità di poter dar vita a un ambiente visivamente dinamico e articolato, anche se sommessamente destinato al disfacimento, dove la natura è concepita, raffigurata, riprodotta e dove le nostre aspettative, tra sperimentazione e indagine artistica, si scontrano con la tangibilità del reale.

mostra visitata l’8 febbraio