(dal 8.12.2011 al 18.02.2012)

Questa e’ la quarta edizione della Biennale di Architettura di Shenzhen e Hong Kong ed e’ la prima con un direttore internazionale, Terence Riley ( founding partner of k/r (keenen/ riley).

Questa Biennale e’ la prima a concentrarsi sull'urbanistica come tema principale ed a considerare i vari aspetti delle città in crescita come agente attivo nella cultura contemporanea.
Il programma e’ ricco e costituito da una serie di mostre, in spazi chiusi e all’aperto, che incorpora anche riflessioni specifiche sui luoghi delle citta’ di Shenzhen e Hong Kong.

Tra le varie mostre, tutte variamente stimolanti e prodotte appositamente per la Biennale, ho particolarmente apprezzato i casi-studio di città che hanno meno di 60 anni (… And Then it Became a City), poi una mostra che esplora lo sviluppo delle varie forme di trasporto urbano, un'altra per i recenti progetti in fase di costruzione a Shenzhen, quella dedicata agli alloggi a prezzi accessibili, e ancora “Boom, Shenzhen”, curata da Mary Ann O’Donnell, “Favela Painting”, il progetto di riqualificazione della favela di Santa Marta, a Rio De Janeiro, usando semplicemente il colore (artisti olandesi Jeroen Koolhaas e Dre Urhahn)... davvero parecchio da vedere, da leggere e su cui riflettere.

L’impressione generale e’ che la Biennale abbia davvero rispecchiato gli intendimenti del curatore, Mr. Terence Riley, che a suo tempo dichiaro’ :”... our idea is to create a paradigm that considers the cyclical growth pattern of urban sites such as Shenzhen, where cities create architecture, architecture creates cities, and how this process continues without end. At a time when sustainability is imperative, the idea of describing an open process that takes into account its own renewal and constant evolution is essential.”.

Se volete piu’ informazioni, qui il sito: http://hkszbiennale.org/2011/en/index.html

Raccomandabile, se passate o siete tra Shenzhen e Hong Kong durante questo periodo.

DETTI  E  RIDETTI  

  - Tra parola  e  immagine -     

La Rubrica   settimanale di   “Detti, Ridetti e Riletti”   è un  ricorrente appuntamento settimanale   di frasi    e citazioni   personali   sull’arte e anche illuminanti   contributi   di diverso pensiero critico e poetico, alla ricerca di un nuovo rapporto sinestetico  tra parola e immagine, tra narrazione e opera d’arte a confronto.  

  EXIBART -  Lunedì   6 Febbraio  2012   

L'opera   

  MARCELLO  DIOTALLEVI

         FIABA AL VENTO, tessuto ripstop,  Courtesy  Collezione   Diotallevi  

    "Arriva la seconda edizione di VIP Art Fair, la prima fiera d'arte contemporanea in esclusiva sul web. Le "porte” aprono dal tre all'otto febbraio. Christiane Fischer, Presidente di AXA Art Assicurazioni sulla manifestazione afferma....."  (Exibart, 1 febbraio 2012)

Sta per iniziare la seconda edizione di Vip 2.0 Art Fair, accessibile dal web tra il 3 e l’8 febbraio.  Vip2.0 si presenta con una serie di sale  virtuali  per ogni espositore,  consentendo ai collezionisti  virtuali di visitare la fiera “accompagnati” da curatori  o collezionisti d’eccezione. Verranno inoltre presentati  video con interviste ai galleristi su ciò che espongono in fiera.  Ci saranno gallerie importanti come Gagosian, David Zwirner, Pace Gallery e Marian Goodman.   Vip Art Fair online  non terminerà  il giorno 8 febbraio ma si estenderà ad altre tre fiere successive: VIP paper, VIP photo, VIP Vernissage a tutto settembre 2012.  Infatti,  VIP Paper si terrà tra il 20 e il 22 aprile, e presenterà edizioni limitate e opere su carta, mentre VIP Photo avrà luogo tra il 13 e il 15 luglio e VIP Vernissage dal 7 al 9 settembre. Una Fiera d’arte di certo  insolita, visibile stando seduti  comodi in un angolo del salotto accanto al camino di casa e visitabile con un colpo di mouse,  con la  percezione di  dettagliati spazi virtuali di   importanti gallerie espositrici  che permetteranno allo spettatore di  percorrere  virtualmente  le  sale  e vedere le opere che ogni Galleria d’arte  “metterà  in mostra”.  Le strategie dell’arte, credo, si stanno evolvendo prospettando ora  nuovi modi di presentare e condividere l’arte contemporanea e moderna.  Ambienti virtuali  nati dalla tecnologia attuale,  ideati  dalla necessità urgente  di coinvolgere milioni di collezionisti sparsi in tutto il pianeta del villaggio globale.  Dopo  Christie's,  Sotheby's  e  Live (una piattaforma di aste destinata gli utenti interattivi),   interessati   a costruire un mercato dell'arte anche online,  per il secondo anno consecutivo  VIP Art Fair apre le porte a una comunità "tutta virtuale"(collezionisti, curatori, appassionati, artisti  e persino curiosi),  con uno spazio   a portata di mouse destinato a sconvolgere già  l’assetto delle fiere  più importanti di  mezzo mondo. C’è da immaginarselo. Dopo il primo allestimento interattivo che aveva creato qualche problema  in più al popolo del Web, infatti,  a causa della massiccio afflusso di “visitatori”  il sistema era “saltato”   impedendo a tanti collezionisti  di visionare le opere presenti. Sembra che tutto ciò sia stato risolto.  Io sono molto ottimista su tali progetti, non a caso Gallerie come Continua, Tucci Russo, Kaufmann,  Massimo Minini hanno compreso da subito l’importanza  di tale iniziativa  condividendola  appieno e mettendoci la faccia. Dall’afflusso  dei visitatori della scorsa edizione, Web permettendo,  si prevede  un successo complessivo di proposte e  di vendite  che interesseranno  un  pubblico sempre  più virtuale ma raffinato.

E la crisi  mondiale, la recessione?

 Non si sente!!!.

 I migliori affari per chi ha un buon portafoglio si fanno proprio quando vi è una situazione di recessione planetaria  approfittando di chi  in cerca di  solidità  accetta di svendere qualche lavoro presente nella propria collezione personale.

                                                               Cordialmente, Sandro  Bongiani

http://www.vipartfair.com/

http://www.vipartfair.com/galleries

http://www.vipartfair.com/calendar

http://www.vipartfair.com/discussions

http://www.vipartfair.com/about

   http://www.collezionebongianiartmuseum.it/home.php 

 Continuano così le mie interviste virtuali alla seconda mina vagante del settore culturale italiano. Un artista, che rispecchia appieno la condizione psicologica del settore dell’arte contemporanea italiana, ove il pensiero di tutti è messo in crisi da una frammentazione di tipo esistenziale, il che li porta molto spesso ad operare su una pluralità di linee di ricerca, talvolta del tutto personali e soprattutto isolate. L'ho intervistato attraverso la modalità della corrispondenza epistolare interattiva, cui Dario ha accettato di partecipare volentieri per esperire una sorta di riflessione interiore. Reduce dal terribile cataclisma in Giappone, in cui si è ritrovato coinvolto in prima persona, Dario non ha fatto in tempo a terminare la sua ricerca, umana oltre che artistica, e sogna di potervi ritornare, un giorno, quando tutto sarà tornato alla normalità.

Come mai inizia questo tuo vagabondare per i posti più disparati del mondo?

 Purtroppo solo di recente ho avuto la possibilità di muovermi un po' nel mondo. Ho vissuto tre mesi a Tokyo, per effettuare numerose registrazioni audio funzionali al mio lavoro, ma il viaggio ha avuto - necessariamente - fine qualche giorno dopo la recente catastrofe che ha colpito il Giappone. A giorni dovrò recarmi per una settimana a Tolosa, in Francia, dove ero stato invitato (e spesato) per seguire il Festival Traverse Video e presentare presso Les Abbatoir, il Museo d'arte contemporanea di Tolosa, alcuni video recentemente realizzati. Oggi sono a Padova, la mia città, e ci resterò qualche mese, credo. Sto comunque inviando varie domande di partecipazioni per Residenze d'arte nel mondo, auspicandomi di riprendere presto un aereo.

Ben tre mesi a Tokyo. Immagino che conosci perfettamente l'inglese per interagire con la nuova realtà con cui ti sei venuto a confrontare. Che tipo di esperienza reputi di aver portato a casa?

Non posso dire di parlare un inglese impeccabile, ma la lingua anglosassone mi è stata utile. Sebbene in Giappone pochi la parlino volentieri. L'esperienza è stata totale. Inebriato, pieno di nuove idee e ancora un po' scosso sono le prime parole che mi vengono in mente. Sebbene sia stato traumatico, comunque, non ricorderò certo il Giappone per il devastante cataclisma, ma per la frizzante e affascinante vita che sa offrire.

Forse, come in alcuni paesi stranieri, solo le persone con un elevato livello d'istruzione (professionisti e studenti universitari per lo più) sono capaci d'interagire perfettamente in lingua inglese. Cosa che, al contrario, non siamo soliti fare noi italiani per le note lacune nella preparazione culturale. Ad ogni modo... Dove hai vissuto? Se partito pianificando una meta precisa o hai modificato lì, di volta in volta, la tua sistemazione?

In verità ho parlato in inglese anche con poliziotti, contadini, pescivendoli. Dopo i primi giorni, passati tra l'Hotel e un divano fuori città (Fussa), trovato tramite couchsurfing.com, ho dimorato a Kiba (Koto) in una Guest House suggerita da un'agenzia contattata già in Italia (Oak House). Una volta presa la camera poi, ho esplorato comodamente la città, data la posizione abbastanza centrale. Mi interessavano gallerie ed istituzioni d'arte contemporanea di Ginza, Shibuya e Roppongi ed erano raggiungibili anche in bicicletta.

Ginza, Shibuia... e la mia mente va alla tesi di laurea alla Nakagin Capsule Tower di Kurokawa. Hai avuto modo di vederla? E di soggiornarvi? L'architettura metabolica di quegli anni è un elemento preponderante nella città. Cosa puoi dirci invece sull'arte nipponica? Esiste, allo stato attuale, un movimento in cui si riconosce il paese?

In verità non ho alloggiato nella Nakagin Capsule Tower, peraltro in condizioni non eccellenti, ma ho visto i moderni Capsule Hotel a Shibuya ed ho pensato a "La Montagna Sacra" (il migliore architetto del mondo). Parecchio interessante quasi tutta l'architettura moderna e contemporanea a Tokyo, comunque. Nell'arte visiva, prevalentemente nella figurativa, si nota un filo conduttore lungo più di 50 anni: a partire dai lavori di Chimei Hamada, passando per i celeberrimi Murakami e Nara, per giungere ad emergenti di pregio come Ai Shinohara, Inoko Toshiyuki, Wada Atsushi, Eisuke Sato... solo per citarne alcuni tra quelli che ritengo più interessanti. In ogni caso, si nota come la cultura manga-anime sia strettamente legata alle arti visive.

E tu cosa hai metabolizzato dell'arte nipponica? C'è qualcosa che hai deciso di far tuo nei prossimi lavori? Immagino tu sia molto ispirato dopo quest'esperienza...

Si, mi sono sentito assai ispirato. Ma per ora sto ancora metabolizzando. Mi piacerebbe poter rendere lo stesso "senso del tempo" che ho scoperto a Tokyo. Mi sono venute in mente parecchie idee per nuovi lavori e progetti, ad oggi, ancora in fase di ricerca o di lavorazione (soprattutto alcune installazioni audio). Di certo credo che proverò ad esplorare meglio l'aspetto performativo dei miei lavori, cercando di dare un giusto peso anche alla visibilità e alla lentezza del processo creativo, ma, come ho detto, work in progress e… acqua in bocca!

Tempo che lì, a quanto pare, non si piega dinnanzi alle catastrofi naturali. Come hanno reagito i giapponesi all'evento del terremoto?

Mah, tranne nei momenti iniziali - quei due lunghi minuti della prima scossa - in cui ho visto su più di un volto un’espressione di panico, direi che nei giorni seguenti tutti si comportavano normalmente. Grande e composta dignità, senso di collaborazione e fratellanza, compassione e forza d'animo. Questo è ciò che ricorderò.

Lo hanno riconosciuto in molti, tra i media. E tu invece? Come ha vissuto Dario, uno straniero venuto dal lontano occidente, quella circostanza terribile?

Per me è stato come una specie di incubo, i primi due giorni. Come un triste e prematuro arrivederci, ai miei amici e a quella terra, nei giorni successivi, finché non sono salito sull'aereo.

Immagino tu sia stato costretto a partire prima ancora di portare a termine la tua ricerca artistica e la tua esperienza personale lì. Credi di ritornarci, un giorno, magari quando si sarà ripristinata la normalità?

Proprio qualche giorno fa ho letto in un blog una domanda interessante che suonava più o meno così: "Voi che scappate dalla morte... cos'avete di così importante da fare, per affannarvi così tanto per sopravvivere?". Ci sto pensando spesso. Spero di poter tornare al più presto, ma in modo da poter restare qualche mese in più, magari uno o due anni. Comunque conto di tornare dopo che la situazione si sarà normalizzata.

Scorgo una certa fase di stallo nella tua vita, nella tua arte, e di profonda volontà di trasformazione e cambiamento... Reputi di essere anche tu, come in molti, fuori luogo in quest'Italia che sta implodendo su se stessa e nella propria crisi? Continui a nutrire il desiderio di fuggire?

Scorgi bene, Angela. Anche se credo fermamente nel mio lavoro passato, dopo aver visto a Tokyo - e come vedrò a Tolosa - le ricerche artistiche d'avanguardia (mi si perdoni il termine) e il rispetto, anche economico, con cui vengono trattate, mi sento un artista piccolo piccolo ma pure un po' più grande. Temo però che la crisi implosiva italiana, ancor prima che economica, sia culturale. A volte mi pare un abisso quello che ci separa dall'Europa e dal mondo. L'insofferenza del vivere in Italia nasce da questo, nel mio caso. Non è un problema prettamente economico. La volontà di cercare luoghi dove lavorare più serenamente, senza per forza dover strizzare un occhio al mercato, ed in un contesto sociale più evoluto e quindi più ricettivo, è alla base del mio pulsante desiderio di emigrazione. E non ho altro da aggiungere.

Angela Russo

DETTI  E  RIDETTI  

  - Tra parola  e  immagine -     

La Rubrica   settimanale di   “Detti, Ridetti e Riletti”   è un  ricorrente appuntamento settimanale   di frasi    e citazioni   personali   sull’arte e anche illuminanti   contributi   di diverso pensiero critico e poetico, alla ricerca di un nuovo rapporto sinestetico  tra parola e immagine, tra narrazione e opera d’arte a confronto.  

  EXIBART -  Lunedì   30  Gennaio  2012   

L'opera   

  EMILIO  SCANAVINO

 LA CROCE. olio su tela tamburata. 146 x 112,  Courtesy Galleria Ferrari  

Presso l’atrio del Salone d’Onore posto al primo piano del Palazzo Comunale di Cuneo sarà esposta l’installazione “Lidapofaf - Lasciando il domani al presente o forse al futuro” opera dell’artista Domenico Olivero.

Il lavoro proposto è un gruppo di sculture in differenti materiali, un assemblaggio multi materico dai forti contrasti cromatici. Tre elementi scultorei che narrano del flusso della vita; percezioni materiche dell’emozionarsi al vivere.

Il progetto tratta il tema dell’immanenza, di quell’insieme di percezioni che l’uomo riordina nel suo percorso temporale, trasformandoli in un universo di senso e ordine. Si attiva così, fra l’opera e il fruitore, un dialogo fra ordine e disordine, fra senso e dubbi, fra chiaro e scuro.

Il tentativo di affrontare il tempo, le sue supposte divisioni, la sua misura, che potrebbero essere interpretate come le tre fasi del flusso della vita umana: il passato, il presente e il futuro. Ma forse anche liberi pensieri metafisici. 

Testo a cura di Marina Perlo

Sono molte le sensazioni che lentamente attraversano il vivere umano, a volte inaspettate, a volte sperate, a volte incomprese.

Avviandosi nel cammino dell’esistere avvengono incontri casuali, sguardi distratti, attenzioni fortuite. Tutto si compie per un’inarrestabile casualità che l’uomo riordina in supposte correlazioni, che poco hanno di naturale.

Su queste dinamiche è l’opera: “Lasciando il domani al presente o forse al futuro”, creata da Domenico Olivero, posta nello storico Palazzo Comunale della città di Cuneo al piano nobile accanto al Salone d’Onore.

Il lavoro artistico è ubicato in questa zona di passaggio, aperta al dialogo e alle possibili interazioni, consce o supposte.

Fra il passante, l’opera e lo spazio circostante, il fato appronta idee, pensieri, nulla.

L’installazione è costituita da tre particolari sculture dai forti colori e da diversi materiali, che compongono un lavoro unico.

Idealmente potrebbero essere il passato, il presente e il futuro, correlati in un assemblaggio che nelle forme ideate sviluppano possibili riflessioni temporali e spirituali.

Ma l’artista preferisce non ordinare troppo queste idee per non ricadere nell’errore del “sapere” ma lasciandosi allo stupore o forse all’immanenza.

L’evento avrà corso dall’1 al 18 Febbraio 2012, al primo piano nel foyer del Salone d’Onore presso il Palazzo Comunale di Cuneo. L’evento è organizzato col Patrocinio del Comune di Cuneo e col supporto di collezionisti privati.

Artista : Domenico Olivero

Titolo opera: “Lidapofaf - Lasciando il domani al presente o forse al futuro”

Curatore: Marina Perla

Periodo di esposizione: 1-18 Febbraio 2012.

Vernissage: 31 Gennaio 2012 ore 17,00

Luogo: Foyer – Primo piano - Palazzo Comunale

Indirizzo: Via Roma 28 12100 Cuneo

Orario: dal Lunedì al Venerdì dalle 9,00 alle 17,00.

Ingresso libero

Sito web  http://lidapofaf.blogspot.com/

Contatti: ph2oarte@libero.it 

Nice to meet you

How to tell people that you are pleased to meet them

di  Loredana Galante

Testo di  0livia Spatola

Arte Fiera 2012  26/30  gennaio 2012

http://www.collezionebongianiartmuseum.it/home.php

Un evento performativo, ma non solo, quello di Loredana Galante che si terrà durante ArteFiera 2012 di Bologna. Il presupposto è l'utilizzo di uno strumento veloce per la diffusione di un messaggio semplice ed immediato che, come un virus, si diffonderà all'interno degli spazi espositivi della kermesse bolognese.
Il medium è un adesivo che verrà distribuito durante la fiera ed in cui saranno riportate le categorie dei visitatori presenti alla manifestazione. Artisti, critici, collezionisti, galleristi, indossando l'adesivo, diverranno parte dell'atto performativo dell’artista e veicolo inconsueto di comunicazione.
Combinando un approccio prettamente performativo ad uno maggiormente divulgativo, Loredana Galante lavora sul collettivo; la sua operazione rimane sempre una question(e) pubblica^*, a volte intima, a seconda delle tematiche affrontate, ma sempre condivisa.
Al centro della ricerca dell’artista concorrono dinamiche relazionali a vari livelli: famigliari, professionali, il legame e l'impatto emotivo, le distanze e le interazioni interpersonali in continuo divenire.

Tutti i linguaggi concorrono per affermare un’idea volutamente pubblicitaria dell’arte, ^*poggiante sulla comunicazione performativa dell’immagine e dell’azione.

Quella di Loredana è un'operazione di metalinguaggio, trasversale ad un evento più ampio, quello dell'Arte Fiera a Bologna. Definirla una performance è riduttivo, in quanto saranno coinvolte più persone incaricate alla distribuzione degli adesivi che diverranno veri e propri alter ego dell’artista.
Il tentativo di svelare l'identità ed il ruolo dei visitatori palesandolo, significherà rendere queste persone parte attive dell'operazione artistica e dar vita ad una forma di Arte Partecipativa.
Una sorta di performance allargata, dunque, che dovrebbe espandersi a macchia d'olio nella fiera trasformando operatori del settore e visitatori in supporti mobili di piccole opere d'arte concettuale: gli adesivi/etichetta.

Artista: Loredana Galante
Titolo: Nice to meet you.
How to tell that you are pleased to meet them
A cura di: Olivia Spatola
Periodo:dal 25 al 30 gennaio 2012 
Orario:lun./sab. 9.00-13.00/16.00-20.00
Luogo reperibilità adesivi nice to meet you:
Arte Fiera stand 35 Espoarte (reparto editoria)
Luoghi di Arte Fiera OFF:Museo della Musica, strada Maggiore 34 Bo
Teatro delle Celebrazioni, via Saragozza 234, Bo
Palazzo Bevilacqua, via d’Azeglio 31, Bo
Spazio Poltrona Frau, strada Maggiore 27, Bo
Palazzo Gnudi, via Riva di Reno 75/77, Bo
BTF Extra, via Saragozza 35, Bo
Coordinamento:Associazione Ubik
Info: info@loredanagalante.it
Tel: +39 338 8834826
 

Per partecipare a Nice to meet you, gli adesivi sono reperibili all' Arte Fiera stand 35 Espoarte (reparto editoria)
 
Nice to meet you di Loredana Galante sarà presente nei seguenti eventi di Arte Fiera OFF 2012:
 

1)     mercoledì 25 gennaio ore 18.00 mostra personale di Giulia Manfredi presso il Museo della Musica in Strada Maggiore 34, Bo.

2) venerdì 27 gennaio ore 21.00 Concerto di ConiglioViola ed Antonella Ruggiero presso il teatro delle Celebrazioni in Via Saragozza 234, Bo.

3) venerdì 27 gennaio ore 21.00performance SENSE 1+1 di Tiziana Contino, Joy Coroner (a.k.a. Domenico Buzzetti), Giovanni Gaggia, Mona Lisa Tina presso BTF Extra in via Saragozza 35, Bo.

4) sabato 28 gennaio ore 19.30 mostra con video proiezioni architetturali di Nicola Evangelsti ed Elastic Group presso palazzo Bevilacqua Ariosti in via d'Azeglio 31, Bo.

5) sabato 28 gennaio ore 18.00 mostra collettiva presso lo spazio di Poltrona Frau in Strada Maggiore 27, Bo.

6) sabato 28 gennaio ore 19.30 mostra collettiva di Silvia Bordin, Gianluca Beccari, Massimo Festi e Raimondo Galeano presso Palazzo Gnudi in Via Riva Reno 75/77, Bo.

7) sabato 28 gennaio ore 19.00 performance di Chiara Scarfò / ore 21.00 performance di Roberto Paci Dalò presso BTF Extra in via Saragozza 35, Bo.

8) domenica 29 gennaio ore 19.00 performance di Max Bottino presso BTF Extra in via Saragozza 35, Bo .

*una question(e) pubblica di loredana galante, 2007, de ferrari editore
 
*arte galante, Achille Bonito Oliva

DETTI  E  RIDETTI  

  - Tra parola  e  immagine -     

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  EXIBART -  Lunedì   23  Gennaio  2012   

L'opera   

  KEITH   HARING

Non scrivo qui per fare pubblicità, infatti non darò possibilità alcuna di comprendere chi sia, ma ne parlo per il piacere di condividere un'esperienza.

Tutti dicono di dipingere, ma in pochi riescono a trasmettermi qualcosa di forte, di grande, di umano.

Ho scoperto per caso che una cliente, amica di famiglia da diversi anni, un'inquilina di un palazzo a pochi passi dal mio ufficio, è un'artista!

Per amor di sintesi: dipinge da oltre quatrant'anni, conosce Argan di persona, espone in Italia ed all'estero, forma artisti di spessore, ne acquisiscono le opere appassionati d'arte prevalentemente italiani (a Roma e Matera la maggior parte dei suoi dipinti), ed oggi mi apre le porte della sua abitazione ad ammirare ciò che le rimane di una carriera artistica incredibilmente ricca, di spessore.

Ho riconosciuto subito che ha studiato.

Tantissimo.

Ho letto sulle tele una gestualità sapiente, una cura meticolosa nella ricerca dei cromatismi intelleggibili come naturalmente raggiunti che, piuttosto che regalare al quadro la ricerca di una terza dimensione, ebbene, questa dimensione glie la donano senza ombra di dubbio.

Mi riferisco sia ad una dimensione spaziale che fa emergere il quadro dal piano bidimensionale, sia di una dimensione umana che affonda le sue radici in una capacità di contemplare il mondo e l'uomo, con una forza espressiva che è capace di far scendere una lacrima ed allo stesso tempo di asciugarla con la stessa umanità di una madre.

Ho letto sulle tele una capacità signica e compositiva che va oltre il simbolo, la figura e la parola.

Ho letto sulle tele, delle storie, dei racconti, delle verità.

Pur volendone quantificare il valore, non sono riuscito a proferire parola, se non arrancando un timido pensiero che io stesso ho riconosciuto, scusandomi, inadeguato.

Non avevo mai avuto l'opportunità di provare qualcosa di simile prima d'ora. 

Neanche di fronte ai giganti dell'arte presentati in mostre di "alto livello".

Ora ciò che penso dell'arte stessa si arricchisce di una nuova consapevolezza, di una nuova dimensione, appunto.

E tutto questo, oggi, a pochi passi dal mio ufficio.

Grazie R. !

Chiude il Madre, gli artisti ritirano le opere. Licenziati 30 dipendenti

Il Mattino, Napoli - “Ultimi giorni per il Madre. Da martedì portone sbarrato. Se entro domani la Regione non convocherà un incontro per il rifinanziamento del museo di via Settembrini, addio all’arte contemporanea. Sul tavolo di Massimo Lo Cicero e Ugo D’Antonio, rispettivamente presidente e amministratore delegato di Scabec (la società a maggioranza regionale che gestisce i servizi) e su quello di Pierpaolo Forte, presidente della Fondazione Donnaregina, sono arrivate le lettere delle Pierreci e della Mondadori Electa, le due società che si occupano della gestione del museo.In poche parole annunciano che manterranno aperto il museo fino a domani. Poi tutti a casa, a cominciare da una trentina di giovani dipendenti per i quali partiranno le lettere di licenziamento”

I lavori fotografici di Hiroshi Sakate si sono, nel corso degli anni, focalizzati su tre tematiche principali: la fotografia di paesaggio, il nudo e il ritratto.

La recente mostra “Architectural Eros” si concentra sull’esplorazione di dettagli architettonici che vengono trasformati dall’occhio dell’artista per divenire un nuovo soggetto, un’ espansione della percezione del soggetto che viene, in questo modo, ricreato e riprodotto sotto forma di “immagine nuova”. Le strutture scelte da Sakate includono interni ed esterni di edifici che grazie al suo personale senso della composizione, della luce e della prospettiva vengono ridefinite per comunicare nuove ambivalenti armonie, testimonianze dei valori estetici e dei significati culturali espressi dalle strutture architettoniche stesse.

Il sapiente uso della luce naturale e artificiale, diurna o notturna, riflessa o diretta e’ lo strumento principale usato da Sakate per trasformare dettagli di edifici in frammenti di esseri viventi, in una relazione che e' dialogo tra l’oggetto fotografato e lo sguardo rivelatore dell’artista.

Sakate non si accontenta di trasformare un dettaglio di un edificio in qualcosa di “piu’ interessante”, la sua non e’ una mera dichiarazione dimostrativa di percezione estetica, non e’ sua la frase: “questo dettaglio e’ una bella fotografia”, piuttosto Sakate ci restituisce quanto del costruttore, dell’architetto, dell’ideatore c’e’ in un edificio, ci ritorna i significati e le immagini, consce o inconsce non importa, che chi penso’ l’edificio proietto’ nella struttura-creatura, e al contempo, ci consegna le sue proprie proiezioni di significati e idee.

Le quindici fotografie scelte per Architectural Eros sono la concretizzazione artistica di un concetto di architettura come metafora psicoanalitica di cio' che la mente umana proietta all'esterno, sugli edifici.

E non e' un caso che Sakate raggiunga questo risultato, dato il suo essere, oltre che fotografo, architetto.

Non e' una novita' che “un edificio, una casa, una struttura siano luoghi in cui l'uomo si rapporta e vive con le superfici e con gli oggetti di cui si circonda per rappresentare il proprio mondo d'espressione non verbale, e in quanto luoghi quotidiani del nostro vissuto sono la superficie, l'epiderme tra il mondo esterno e il mondo interiore” (Mimmo Pesare. «Le radici psico-dinamiche dell'abitare». Dialegesthai. Rivista telematica di filosofia [in linea], anno 10 (2008) [inserito il 5 dicembre 2008], disponibile su World Wide Web: <http://mondodomani.org/dialegesthai/>, [39 KB], ISSN 1128-5478).

Il rapporto simbolico corpo-casa, organismo-edificio rappresenta uno dei temi ricorrenti dell'architettura e anche le strutture contemporanee, per quanto spezzate, divise, non-coerenti non riescono a sfuggire all'idea di corpo, ad una antropomorfizazzione della struttura, ed e' in questa metafora che si muove l'opera di Sakate.

Guardando le fotografie in mostra veniamo presi per mano e portati a percepire una realta’ diversa, arbitrariarmente scelta (come arbitrarie sono tutte le fotografie del mondo) per indicarci uno dei possibili significati che le immagini possono comunicare, e questa realta’ e’ l’umanizzazione, il rendere organismo vivente cio’ che normalmente percepiamo come inanimato, come “costruzione, somma di materiali”.

L’occhio fotografico e rabdomantico di Sakate diventa strumento rivelatore, di conoscenza, di chi interroga la struttura non accontentandosi di accettarla per come “sembra”, per poi darci una delle possibile risposte, a loro volta portatrici di nuovi, multipli significati e grazie alla sua esplorazione siamo invitati a partecipare a questo gioco di scoperta, di proiezioni, per dare nuovi e multipli significati a cio’ che, apparentemente, “vediamo” in un edificio.

Marco Maurizio Gobbo

L’Opificio di Firenze  è a rischio  chiusura

“Degli undici laboratori (tutti in grave sofferenza) almeno cinque rischiano il blocco se non la chiusura per mancanza di personale. E poco importa se l’Opificio delle pietre dure di Firenze è da mezzo millennio il paradiso del restauro mondiale”.      (Corsera giovedì 12 gennaio 2012)

Lo Scarabattolo (armadio delle cianfrusaglie) è un dipinto di Andrea Domenico Remps (1620-1699). Commissionato probabilmente nel 1689 dal marchese Francesco di Cosimo Riccardi che era maggiordomo maggiore del granduca Cosimo III de’ Medici. Il quadro si trova all’Opificio delle Pietre Dure di Firenze.

L’Opificio delle pietre dure di  Firenze a causa dei tagli governativi e anche del “turnover” ha drasticamente ridotto il personale di questo grande laboratorio del restauro da 160 dipendenti  a soli 100 unità  collocati nei 4 settori più importanti. Pur avendo le concessioni e i contratti  da  onorare, diversi laboratori rischiano di chiudere per mancanza di personale specializzato, come  il  laboratorio del restauro degli arazzi, tessuti, oreficeria e persino quello del mosaico. La causa principale è la grave crisi finanziaria che non permette di avere sufficienti fondi per l’ordinario funzionamento di tale  laboratorio internazionale conosciuto in tutto il mondo. In questo laboratorio specializzato nel  restauro conservativo sono passati i più grandi capolavori di mezzo mondo proprio per la professionalità e la serietà del lavoro apportato. 

Anche in questo settore, purtroppo è a rischio di “lucchetto” . Vogliamo  illuderci che questa risorsa venga  almeno salvaguardata e che non ci sia alcuna mutilazione.      

                                                                      Cordialmente, Sandro  Bongiani 

DETTI  E  RIDETTI  

  - Tra parola  e  immagine -     

La Rubrica   settimanale di   “Detti, Ridetti e Riletti”   è un  ricorrente appuntamento settimanale   di frasi    e citazioni   personali   sull’arte e anche illuminanti   contributi   di diverso pensiero critico e poetico, alla ricerca di un nuovo rapporto sinestetico  tra parola e immagine, tra narrazione e opera d’arte a confronto.  

  EXIBART -  Lunedì   16  Gennaio  2012   

L'opera   

  ERCOLE   PIGNATELLI  

Ercole Pignatelli (1935)
Marina con uliveto
olio su tela, cm 67x75, firmato in basso a destra

Ma  Cattelan va in pensione?

Ancora dieci giorni alla fine della mostra di Maurizio Cattelan al Guggenheim di New York  per sapere se l’artista padovano va veramente in pensione  e si ritira  dal palcoscenico dell’arte o se è un’altra trovata pubblicitaria . Intanto ICKU,  aggiunge nuovi suggerimenti alla sua pagina come:

7.

 " I like design and art.

In design I am interested about form and space, their combination and the possibility of expressing a deeper meaning than it seems at the first look."

Ronald Gails, 29 years old, student of nordic multimedia academy

"Mi piace il design e l’arte, nel design mi interessa la forma e lo spazio, la loro combinazione e la possibilità di esprimere un significato più profondo di quanto possa sembrare al primo sguardo. "

 

Prima il tag adesivo di ICKU di una Galleria Romana che non facciamo più il nome, poi l’annoso problema del caso Cattelan se veramente si decide ad andare in pensione o deve continuare a lavorare per qualche anno ancora visti i dettami del Ministro Elsa Fornero. Ultima questione di oggi, se il Museo Riso di Palermo,   spazio culturale d’eccellenza di tutto il Sud Italia sta per chiudere a causa dei pochi  finanziamenti disponibili.  Le ultime notizie ci confermano  che, a parte il Museo Riso,  tante situazioni che vengono create nel mondo dell’arte  si affidano ad un "battage pubblicitario" come l’ultima trovata  funerea di Cattelan, confermata persino dalla foto di  Pierpaolo Ferrari che lo ritrae con in mano una lapide con inciso  “The End”. Una trovata, dicevo, pubblicitaria come tante altre, orchestrata a dovere, per far colpo, per fare scena e occupare la platea e il primo piano. Mi chiedo s’è  davvero sufficiente la sola pubblicità a dare un senso a  ciò che si è prodotto e realizzato.

Sembra che ormai non avvertiamo alcuna differenza tra un yogurt prodotto industrialmente e un lavoro cosiddetto “ artistico”. Mi chiedo: sussiste ancora  qualche  differenza o crediamo  che  siano   identici prodotti commerciali da far conoscere e commercializzare?

Se è così,  anche i maniaci mentali e  i feticisti con problemi sessuali, che raccolgono mutande e calzette di fascinose e profumate intimità, anche loro,  possono essere considerati dei “collezionisti” e magari avere la possibilità di organizzare  una prossima Biennale di Venezia o  un Padiglione Italia  con motivazioni sicuramente del tutto personali  e originali. O no!!!

                                                                  Cordialmente,     Sandro     Bongiani

Torino, Palazzo delle Esposizioni, Sala Nervi
A cura di Vittorio Sgarbi

Andrea Speziali, autore del volume ''Una Stagione del Liberty a  Riccione" e di ''Romagna Liberty'', giunge al Padiglione Italia alla 54° Esposizione Internazionale d'Arte della Biennale di  Venezia, per il 150° dell'Unità d'Italia, con la scultura ''Totem Riccione'' prodotta nell'anno 2009 con diverse tipologie di gesso, dimensioni di: h.160cm b. 30x30cm.

La scultura rieccheggia elementi decorativi tratti dai villini della cittadina riccionese in stile Liberty.

La mostra tenuta a Torino Esposizioni, sala Nervi, sarà aperta fino al 30 gennaio con probabile prolungamento fino il 28 febbraio. A curare l'esposizione è Vittorio Sgarbi.

Andrea Speziali nasce a Rimini il 28/09/1988 e risiede a Riccione, nella zona denominata Abissinia, a pochi passi dalla villa Antolini al cui studio ha dedicato molto del suo tempo.
Diplomato presso l'Istituto d'Arte ''Federico Fellini'' di Riccione nel 2007, sta per specializzarsi presso l'Accademia di Belle Arti a Urbino. Coltiva con passione l'interesse per l'arte e si dedica alla pittura, scultura e grafica, traendo spesso ispirazione dalla produzione di Mirko Vucetich, l'eclettico architetto di Villa Antolini, e dall'Art Nouveau, offrendone originali interpretazioni.Andrea, artista, designer e scrittore poliedrico ma coerente, sin dall'età di 7 anni manifesta l'interesse per le arti pittoriche ed, affiancato da un valido Maestro, approfondisce le più importanti tecniche artistiche. I lavori eseguiti tra il 2007-2008 sono molto apprezzati, quasi tutti collocati in collezioni private. Così l'artista sintetizza il suo percorso: ''Gli anni di studio, l'esperienza del fare, che mi ha portato a realizzare creazioni che spaziano dal campo della fotografia a quello della scultura e della pittura, e il confronto con illustri modelli sono stati determinanti per far maturare in me un'idea di poetica''.
Con la realizzazione del prototipo in gesso del contenitore per il profumo ''Shark'', di cui ha prodotto anche l'essenza, si è distinto in una mostra organizzata dal Comune di Riccione e dall'Istituto d'arte presso la Villa Mussolini della stessa città. Il giovane artista riccionese è un creativo pieno di idee e iniziative, ma anche ricercatore di ''gioielli dimenticati nel tempo'' come prestigiosi immobili e sculture di artisti scomparsi. Tra le sue varie scoperte e gli studi scientifici vi è l'opera, da tempo dimenticata, di Mario Mirko Vucetich, una tra le più poliedriche figure del '900, sul quale sta preparando una mostra, la monografia e il catalogo generale delle opere.

Pubblicazioni:
A. Speziali, ''Una Stagione del Liberty a Riccione'', Maggioli editore, Santarcangelo 2010

Per l'estate 2012 sarà pubblicato il catalogo ''Romagna Liberty'', Maggioli editore.

Maggiori info su www.andreaspeziali.it
Segui il suo gruppo: http://www.facebook.com/groups/andreaspeziali/

DETTI  E  RIDETTI  

  - Tra parola  e  immagine -     

La Rubrica   settimanale di   “Detti, Ridetti e Riletti”   è un  ricorrente appuntamento settimanale   di frasi    e citazioni   personali   sull’arte e anche illuminanti   contributi   di diverso pensiero critico e poetico, alla ricerca di un nuovo rapporto sinestetico  tra parola e immagine, tra narrazione e opera d’arte a confronto.  

  EXIBART -  Lunedì   9  Gennaio  2012   

L'opera   

  DAMIEN  HIRST  

For the Love of God,  “Per l'amore di Dio”  di Damien Hirst  (2007)   For the Love of God è un calco di platino di un teschio umano in scala reale tempestato di 8.601 diamanti al massimo grado di purezza o con pochissime imperfezioni, per un totale di 1.106,18 carati. Sulla fronte è incastonato un grande diamante rosa a forma di goccia anche noto come “la stella del teschio”, mentre i denti sono stati ricavati da un cranio vero del Settecento acquistato da Hirst a Londra.

Il prossimo 11 Gennaio alle ore 21 si svolgerà, presso il Qi di Corso Vittorio Emanuele II, 33 a Cuneo, il primo incontro del corso sull’arte contemporanea dal titolo: “La società dell’arte”, tenuto dall’artista Domenico Olivero, da diversi anni attivo nel sistema dell’ arte.

Questo gruppo di lezioni presenta un’analisi del mondo dell’arte contemporanea e alcune indicazioni su come oggi agire professionalmente per dare corso ad un’attività artistica. Seguendo ironicamente un ipotetico “nuovo artista” si procederà dall’istruzione di base fino alle più articolate vie dei workshop, musei, fiere, residenze e frequentazioni del complesso universo dell’arte contemporanea italiana e straniera.

Saranno presi in esame le più interessanti strategie di promozione e sostegno che governano l’attuale sistema “economico” artistico, valutazioni sul mercato e sui principali eventi della realtà artistica contemporanea.

Il corso affronta alcuni aspetti dell’arte contemporanea ed è aperto per appassionati, collezionisti ed artisti ma anche semplici incuriositi da questo universo creativo. 

Questo gruppo d’incontri è parte del modulo didattico cui ogni sezione d’incontri è stata autonoma. In tal modo si è potuto seguire anche solo alcuni dei tre gruppi di lezioni. Dopo la prima e seconda serie, svoltasi da Settembre a Dicembre ora è la volta del terzo segmento.

A Gennaio/Febbraio seguirà l’ ultima parte degli incontri dedicata al sistema arte contemporanea, nello specifico le strategie di promozione e crescita di un artista.

Saranno realizzate visite guidate, facoltative, ad alcuni dei musei più importanti del settore, come il Castello di Rivoli o il Mamac di Nizza.

Le lezioni si svolgeranno i Mercoledì dalle ore 21 fino alle 23 al Qi in Corso Vittorio Emanuele II, 33 a Cuneo. 

In secondo luogo, sotto l'occupazione Manchu i cinesi furono costretti nella posizione dei vinti, e ne hanno sofferto l'oppressione per più di 260 anni. Mentre una monarchia costituzionale può non suscitare un profondo risentimento in altri paesi e potrebbe momentaneamente funzionare, questo e' impossibile in Cina. Tutto questo da un punto di vista storico.

Una terza ragione può essere avanzata guardando al futuro della nazione. In Cina lunghi periodi di disordine hanno di solito seguito una rivoluzione, è cio' e' dovuto al desiderio di ognuno degli insorti di divenire un nuovo imperatore e, quindi, alla sua successiva lotta e contesa per il trono. Se sara' adottato un governo repubblicano, non ci sarà contesa. Per queste tre ragioni, ho deciso per la forma repubblicana di governo al fine di realizzare il principio della democrazia.
La mia seconda decisione è che una costituzione deve essere adottata per assicurare un buon governo. Il vero significato del costituzionalismo è stato scoperto da Montesquieu. La triplice separazione dei poteri legislativo, giudiziario ed esecutivo, come sostenuto da lui e' stata accettata in tutti i paesi costituzionali, in Europa. In passato la Cina aveva il proprio sistema di controllo e censura, e potrebbero essere utilizzati se il sistema di legge occidentale dovesse non funzionare perfettamente.

Sostengo quindi che questi poteri di controllo e di censura devono essere posti sullo stesso piano del potere legislativo, giudiziario ed esecutivo, provocando cinque separazioni dei poteri".
E il Dr. Sun Zhong Shan è molto preciso quando afferma:
"La terza fase, che segna il completamento della ricostruzione nazionale, introdurrà un governo costituzionale. Durante questo periodo, organi di autogoverno nei vari distretti devono esercitare il potere politico diretto del popolo. Negli affari politici di distretto, i cittadini dovrebbero avere il diritto di suffragio universale, d'iniziativa, di referendum e richiamo del potere. In ambito di politica nazionale i cittadini dovrebbero esercitare direttamente il diritto di elezione, delegando gli altri diritti ai loro rappresentanti al Congresso del Popolo. Questo periodo di governo costituzionale segna il completamento della ricostruzione nazionale e la conclusione positiva della rivoluzione."

La rivoluzione democratica auspicata dal Dottor Sun Zhong Shan Sen è molto lontana dal suo completamento in Cina.
Sto guardando la statua del grande uomo, e scatto alcune fotografie. Appena fuori dal mausoleo il governo ha autorizzato un bazar di bancarelle che vendono cibo, bibite e souvenir. Compro un souvenir, un portachiavi con il ritratto di uno dei grandi sognatori di una Cina democratica, il dottor Sun Zhong Shan.