Come ogni settembre, Londra si veste di rosso e per nove giorni viene insignita del titolo di capitale del design. Il colore-tema che definisce la sua identità grafica è quello simbolico delle cabine telefoniche, dei bus e delle cassette postali inglesi. Ma il rosso-British si fa più diffuso in questi giorni e alla geografia della città si sovrappone una nuova mappa creativa, suddivisa in 11 distretti e 4 design routes, costellata di oltre 400 eventi, tra mostre, fiere, landmark projects, conferenze e workshops.
L’ondata creativa trova il suo apice all’interno degli spazi museali del Victoria & Albert Museum che, insieme alla London Design Biennale, allestita negli storici spazi della Somerset House e dedicata quest’anno al tema delle emozioni, costituisce il quartier generale dell’intero festival. Il Festival nasce per celebrare e promuovere le eccellenze del design nella capitale britannica che vanta il più esteso settore creativo nel quadro delle città globali, ma diventa anche il termometro delle tendenze e delle posizioni attuali del design internazionale. Sostenibilità e sensorialità sono il fil rouge che lega fra loro gli interventi più disparati, rivolti nella maggior parte dei casi a riflettere su questioni sociali e ambientali contemporanee, adottando uno sguardo talora lucido e critico, talora progressista e spalancato verso il futuro.
È il caso di Multiply, l’installazione-logo del Festival in legno timber impermeabile che occupa la piazza in porcellana bianca della Sackler Courtyard del V&A, che, se da un lato invita ad essere attraversata, dall’altro, rinvia a due grandi temi del nostro tempo: l’emergenza abitativa e il cambiamento climatico. Multiply è uno dei landmark projects che sparsi in giro per la città costituiscono la public face del Festival ma è anche la prima tappa di un percorso all’interno delle sale del V&A dove il design dialoga apertamente con la collezione permanente. Addentrandosi negli spazi interni del museo, infatti, ci si imbatte nella Onion Farm di Henrik Vibskov. Sfruttando i 25 metri di lunghezza della buia Tapestries Gallery, il designer danese crea un’installazione site-specific in risposta alle grandi scene naturalistiche raffigurate negli arazzi conservati nella sala. Questo lungo cunicolo, realizzato assemblando spazzole industriali da cui pendono grosse “cipolle” di stoffa, ci invita a riflettere sull’attuale stato di iper-industrializzazione dell’agricoltura. Una soluzione pratica e innovativa per ovviare all’eccessivo consumo di plastica è offerta invece dalla fontanella di acqua potabile (A fountain for London) messa a punto dall’architetto Michael Anastassiades, il cui prototipo campeggia in un angolo del giardino del V&A a disposizione del pubblico. Più svincolata da temi di attualità e dedicata all’incontro tra design e musica, passato e presente, è Memory & Light di Arup all’interno della Norfolk Music Room, dove le parole del compositore estone Arvo Pärt vengono trasformate in luci e colori da un’installazione multisensoriale.
Fuori dal suo epicentro V&A, il festival continua in giro per la città, da Trafalgar Square in cui il landmark project di Es Devlin, Please feed the lions, aggiunge alla piazza monumentale un quinto leone fluorescente che ruggisce poesie e parole selezionate dal pubblico, fino a Broadgate, nella city, dove il duo Kellenberger-White arreda uno spiazzo tra uffici e grattacieli con un insolito parcogiochi di sedie-alfabeto che il pubblico può spostare e combinare a piacimento. Infine, per l’ora del tè, la coppia di designer danesi Scholten e Baijings invita il pubblico a immergersi nella tradizionale cerimonia con una performance che si tiene quattro volte al giorno nell’elegante tea room di Fortnum & Mason dove è possibile ammirare una “tea-installation” composta di più di 80 prodotti manufatti, di vari designer internazionali, accomunati da un unico elemento di design: il colore. Non il rosso questa volta ma l’iconico Eau de Nil del prestigioso food store londinese. (C.O.)
