Fino al 2.VI.2013 | White & White nel dialogo tra Corea e Italia | Roma, Museo Carlo Bilotti

Lontana dalle minacce nucleari, la Corea torna ad essere oggetto d’interesse artistico e meritevole di un approccio particolareggiato. White & White è un candido tandem italo-coreano dall’aplomb filosofico, estetico e fascinoso; tuttavia di schietta fusione culturale neanche a parlarne, due livelli separati per due penisole diverse, evitando relazioni e confronti troppo diretti. Dialogo si, ma a distanza.

Conseguenza è un allestimento diviso per gruppi, che lascia ai coreani il compito di rompere il ghiaccio. Immediato però occorre fare un appunto in nome di Nam June Paik: d’accordo inserirlo ad inizio percorso, ma la sua collocazione speculare alla biglietteria/bookshop risulta piuttosto appartata e poco valorizzante. E pensare che Zen per TV costituisce il fulcro della mostra, sottile linea bianca su schermo televisivo, un piccolo capolavoro che nel proprio minimalismo racchiude tanta finezza intellettuale e un’arguzia innovatrice anche un po’ politicamente scorretta.

Il resto del piano terra è una bipartizione che nella prima parte presenta lavori perlopiù datati tra gli anni Settanta e Novanta. In mezzo a questi risalta l’occidentalità informale della scrittura puro-segnica di Leo Bo Park, mentre le poche incursioni nei Duemila, come i gessi di Insu Choi o l’acciaio patinato di In-Kyum Kim, scultura capace di una finzione prospettica degna di Borromini a Palazzo Spada, paiono posizionate lì più per ragioni spazio-scenografiche che di progressione sistematica.

Nella seconda parte un contemporaneo “dell’ultima ora”, interessante e meditativo come le pregevoli sequenze di Shin Il Kim, tre video che studiano i movimenti degli spettatori di fronte alle opere d’arte, gesti tanto naturalmente stereotipati da rendere difficile non riconoscersi in chi si sposta per scrutare al meglio o chi in coppia commenta parlando nell’orecchio del proprio vicino. Un viaggio nell’estetica della transitorietà sono le saponette consumate di Bohnchang Koo, simili a marmi levigati, pura poetica invece nei sottili fili di rame con i quali Kwang-Ho Jeong intreccia una grande foglia ricca di stupende nervature. Senz’altro piacevole trovare a fianco di ogni opera un breve testo scritto dall’artista; un po’ meno che i suddetti testi preferiscano lettori indietro con l’età, esenti da mal di schiena e con vista dieci decimi.

Ai “piani alti” si ritrova un po’ di orgoglio italiano, in uno spazio tanto raccolto da sembrare quello di un appartamento, parquet compreso. Luci puntate su Crescita di Emanuela Fiorelli, da godere in tutta la tridimensionalità bianca dell’elastico tirato e nei relativi giochi ombra/luce; quest’ultimo è un binomio che calza perfettamente anche a Fabrizio Corneli, forse il più coreano degli italiani con le sue figure immateriali cariche di lirismo evocativo.

La bianca ricognizione si conclude tra gli ambienti della collezione permanente, con un nutrito capannello di opere comprendente i curiosi ricami sonori di Stato di Famiglia e gli White Scratches di Oan Kyu, inchiostri su carte vegetali che per leggerezza compositiva ricordano alcune sculture di Melotti.

Perché un’artista coreana tra gli italiani? Semplice, la Kyu lavora tra Seul e Roma. E al pari di Paik, che la mostra suggerisce quale anello di congiunzione italo-coreano, si rivela una perfetta figura-ponte tra Oriente e Occidente.