ERGO SUM |

Dagli anni ‘60 in poi nulla è più da “superare”, è come se
l’arte avesse consumato in anticipo il suo futuro. Su questa perdita di futuro
si può formulare un’altra ipotesi, alternativa a quella nichilista della “fine
dell’arte”, e più immaginifica; si potrebbe vedere in essa una liberazione
dalla necessità di dover produrre a tutti i costi un’opera, di crearla ex nihilo: una liberazione dal mito
dell’originalità che ha segnato la modernità.
In un testo del 1959, Debord
esponeva le sue idee sul concetto di riappropriazione delle forme esistenti,
conferendo loro una diversa disposizione spaziale e temporale. La parola
utilizzata da Debord è détournement – sviamento, deviazione – che promuove un rapporto con le
forme elaborate dal passato implicitamente politico: il sapere delle forme e le
significazioni sociali connesse – ma questo vale per ogni sapere – non sono una
proprietà esclusiva degli artisti che le hanno realizzate. Perché quelle stesse
sono state a loro volta il frutto di elaborazioni che guardavano a forme
precedenti, ricombinandone gli elementi in nuove configurazioni.
In arte non
esisterebbe ciò che oggi è noto come “proprietà intellettuale”, perché ogni
opera – segretamente o no – ha attinto ad altre opere, o per contrapporvisi o
per prolungarne l’esistenza; tutto in tal senso sarebbe suscettibile di un riutilizzo
in una nuova unità di elementi artistici preesistenti. Secondo Debord, la forza
del détournement
consiste nel “doppio fondo” che l’opera conterrebbe in virtù dell’antico significato
a cui si aggiunge il nuovo. Ma affinché questo accada è necessario
“devalorizzare” il vecchio significato, destoricizzarlo per rendere la forma
disponibile a una nuova significazione. Dal punto di vista processuale, questo
procedimento storicamente ha fatto ricorso alla parodia, perché ha il potere di
neutralizzare il contenuto sedimentato nell’opera, di svuotarlo dell’impronta
originale e renderla disponibile per nuove significazioni. È ciò che fa Duchamp
quando mette i baffi e la barba alla Gioconda.
Ma prima di lui la parodia era
stato l’elemento portante di alcune celebri opere di Manet, come La
colazione sull’erba
che, riproponendo il tema dell’allegoria campestre, dove al centro del quadro
regna l’idea di femminilità associata all’immagine della natura, mette invece
una delle più frequentate cortigiane parigine. Ma forse colui che più di ogni
altro ha utilizzato la parodia in funzione dello sviamento del significato è
stato Raymond Roussel, come confessa in Come ho scritto alcuni miei libri: “Giovanissimo scrivevo già
racconti di poche pagine impiegando questo procedimento. Sceglievo due parole
quasi simili (sul tipo dei metagrammi). Per esempio billard (biliardo) e
pillard (predone). Poi vi aggiungevo parole simili ma prese in due sensi
differenti, e ottenevo così due frasi identiche”. Foucault a proposito di Roussel
parlava di macchina linguistica che coniuga la vita e la morte: “Nel loro
funzionamento fondamentale le macchine di Roussel fanno passare ogni parola dal
momento assoluto dell’abolizione, per ritrovare il linguaggio sdoppiato da se
stesso – pertanto simile a sé – in un’imitazione così perfetta che solo fra
essa e il suo modello ha potuto insinuarsi la sottile lama nera della morte”.

Dunque, il principio mortale di
ogni forma è proprio la sua duplicazione parodistica che ne altera
l’originalità (e l’originarietà). Sarebbe utile capire quanto di questa
macchinazione di Roussel oggi sopravviva. In ogni caso, ciò che rende ancora
attuale l’idea di Debord è proprio il fatto che mette in discussione la nozione
di “proprietà intellettuale” e, cosa ancora più radicale, l’idea dell’artista
come “creatore” assoluto di forme e immagini, perché un artista che non è più
“originale” a rigore non è più neanche un artista, se diamo a questa parola il
significato che abbiamo ereditato a partire dal Rinascimento.
Se è così, se
l’ipotesi sostenuta da alcuni critici d’arte è vera (Nicolas Bourriaud, ad
esempio), e cioè che esiste oggi un “comunismo delle forme”, un bricolage del senso, bisogna
allora smettere di chiamare gli artisti “artisti”, appunto. Come chiamarli,
dunque? “Operai qualificati in postproduzione”, suggerisce Bourriaud.

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marcello faletra
saggista e redattore di cyberzone

*articolo pubblicato su Exibart.onpaper n. 65. Te l’eri perso? Abbonati!

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