Fino all’1.IX.2002 | Duane Hanson – More than Reality | Milano, Padiglione d’Arte Contemporanea

Varcare la soglia di un museo ed essere spettatori attivi di un continuo scambio tra illusione e realtà, tra particolare ed universale, in un gioco contaminatorio che trova il suo comune denominatore nello sguardo stupito dei visitatori.
Una sfida tra essere ed apparire a cui, da sempre, l’Arte ha cercato di dare una risposta (dagli antichi busti romani, connessi al culto degli antenati, all’ingannevole trompe-l’oeil, dalla pittura rinascimentale del ‘400 a quella francese, en plein air, ottocentesca), e che nel secolo scorso è stata raccolta, tra gli altri, dal tedesco Otto Dix e dallo svedese-americano Duane Hanson, distanti in termini spazio-temporali, ma avvicinabili per un approccio al reale costantemente vivido ed obiettivo.
Hanson, in particolare, dopo aver attraversato alterne fasi di ricerca formale, rimasta incerta fino alla scoperta nel 1965 delle opere di George Segal, coglie l’inscindibile osmosi tra arte e vita, tra opera e quotidianità, non depurata da possibili elementi perturbanti, ma fedele a tutti quegli aspetti inguaribilmente tragici che fendono l’esistenza di ogni uomo.
Osservando il grigiore e la banalità dei sobborghi statunitensi, egli avverte l’esigenza di dar voce, in modo accurato, alla vacuità ed alla solitudine di soggetti ordinari, alla comune anonimia di una folla che dignitosamente combatte ogni giorno contro degrado ed emarginazione.
E quale linguaggio, se non quello scultoreo, può rappresentare al meglio questa logorata tipologia di modelli che, grazie alla presenza tridimensionale, urlano silenziosamente la propria rassegnata malinconia?
Hanson, però, non si accontenta di distaccate riproduzioni materiche ove il personaggio rappresentato posa freddamente dinanzi all’occhio indagatore dell’artista ed anzi, come un moderno Pigmalione, crea degli autentici calchi successivamente rivestiti di fibra di vetro e di resina di poliestere, modellando così una galleria di copie, fedeli ad una disperazione immobilizzata dalle leggi artistiche.
Senza concedere nulla all’esagerazione od alla superficialità, le sue opere non sono semplici imitazioni di un’irriducibile apatia esistenziale, ma rappresentazioni credibili, a grandezza naturale, di una comunicazione che nel non verbale trova il modo più idoneo per esprimere l’inattesa combinazione di realtà, finzione e sdoppiamento, creando nel visitatore un fortissimo e destabilizzante sentimento di empatia in grado, grazie al suo implicito valore introspettivo, di auto-riconoscersi nella categoria permanente dell’arte.
Di fronte alla cruda schiettezza di figure che affidano la propria esistenza alla maestria di una tecnica, di un ritocco, di un particolare, l’ambigua interrelazione con l’ambiente, volta a creare un’impalpabile effetto scenografico in una realtà consacratrice come quella museale, fa sì che queste sculture, estraniandosi dall’originaria quotidianità, acquistino nell’apparente eternità di un singolo momento una dimensione illusionistica, la quale, proprio nella continua contaminazione tra unicità e standardizzazione, ribadisce la discrepanza dell’essere simile senza mai essere la stessa, in un gioco spiazzante di ruoli, copie, controfigure, mirato a creare un insondabile effetto di non identità.
Soltanto attraverso uno sguardo intenso ed immobile queste opere rivelano la propria debolezza, la propria inanimata artificiosità, accrescendo così un imprevedibile senso di disagio nell’osservatore, il quale, di fronte a cloni spettrali di un’identità perduta, teme di venire incluso anch’esso nel mondo della finzione, divenendo parte attiva di una figurazione mitologica che, ora, riscopre le radici nell’assoluta paralisi di uno sfuggente brandello di realtà.

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Elena Granuzzo