fino al 17.VI.2007 | Julian Schnabel | Roma, Palazzo Venezia

Diverse tipologie di paintings si succedono nelle sale di Palazzo Venezia dedicate all’opera di Julian Schnabel (New York, 1951). Plate, Japanese e Combine Paintings traducono, a detta dell’artista stesso, la forza creatrice in evidenza visiva, trasformando stati d’animo in multiformi aggregazioni di colore e di materia. A lasciare interdetti è il contrasto tra le grandi tele (veri e propri teloni) e l’interno dei saloni rinascimentali, ampi sì, ma già fortemente connotati, tanto che il confronto tra contenitore e contenuto va a scapito proprio di quest’ultimo. Più interessante risulta invece lo spazio dedicato alla galleria di ritratti, che ben si sposa con un’idea di “sala di rappresentanza”, nonostante i volti in mostra appaiano enigmatici e lontani da qualsiasi intento celebrativo. Tra questi colpiscono due autoritratti che vedono Schnabel all’opera, in linea con il modello seicentesco ereditato dagli spagnoli –Velázquez in primis- ma anche dalle interessanti soluzioni fiamminghe dello stesso secolo. In piedi davanti alla tela, l’artista ci guarda fisso negli occhi, quasi con aria di sfida; sembra che impugni un’arma, piuttosto che una spatola. L’irruenza del personaggio trova riscontro in molti dei lavori successivi, dove la pennellata si fa ansiosa, impetuosa, e l’alternarsi di tecniche diverse crea uno spaesamento continuo, ritmato dall’opacità dei colori caldi e dalla lucidità degli smalti. Le superfici vibrano, e al collage si sostituiscono stoviglie rotte (Plate Paintings), per un risultato “pittoscultoreo” che lascia solo intravedere il dato figurativo. La sperimentazione di modalità espressive sempre differenti confluisce con naturalezza nell’attività da cineasta: “Sono come un contadino che alterna carote e patate per rendere la terra più fertile”, sostiene Schnabel, aggiungendo però che il lavoro di regia subentra quando la pittura non è più abbastanza “cinetica”. Altro dato interessante sono i riferimenti a culture diverse, che attraversano sotto forma simbolica molte opere degli ultimi trent’anni. Se abbiamo già citato il debito nei confronti dell’arte spagnola, ancora più evidenti sono i riferimenti alla cultura pop americana, nonché l’uso di stampe digitali dai motivi giapponesi e i rapidi accenni alla cultura latino-americana (vernice e dimensioni dei teloni bastano a ricordare da vicino i murales messicani). Si fa strada un senso di spiritualità dal tono mistico, che parte dalla crocifissione per arrivare alla Conversione di San Paolo, inscenata da una stampa che porta ordine in un groviglio fatto di lettere e linee spezzate. Nella varietà di materiali e supporti emerge un’attenzione particolare a rendere reale ciò che è dettato dal proprio impulso creatore. E che non dimentica il rapporto con lo spettatore, chiamato in causa dagli sguardi e dall’emotività suggerita dalle composizioni cromatiche. Fino all’ultimo lavoro in mostra, Adieu, un arrivederci che vale quanto una dedica.

alessandra troncone
mostra visitata il 3 maggio 2007