Hitoshi Nakano è nato nel distretto di Kanagawa nel 1968. È curatore della Kanagawa Arts Foundation che si occupa d’arte contemporanea. Ha curato le seguenti mostre: “Shiota Chiharu: From In Silence” (2007), “Koganezawa Takehito: Between This and That” (2008), “Everyday Life / Another Space” (2009), “Asaba Katsumi: Harbor of Design” (2009, 2010), “Izumi Taro: Kneading” (2010), “Everyday Life / Hidden Reasons” (2011), “Sawa Hiraki: Whirl” (2012), che si sono svolte al Kanagawa Prefectural Gallery; e “Everyday Life / Off the Record” (al Kanagawa Arts Theatre, nel 2014). Ha anche organizzato e prodotto vari progetti di collaborazione con le installazioni e le performing arts.
Può introdurci il Padiglione del Giappone alla 56esima Biennale di Venezia che presentava l’installazione The Key in the Hand, costituita da due barche, un fitto filato rosso e un gran numero di chiavi, realizzata dall’artista Chiharu Shiota?
«Ho chiesto a Chiharu Shiota di creare un lavoro site-specific per il Padiglione del Giappone; l’ho conosciuta ed ho lavorato con lei dal 2007, quando ha avuto la sua più importante mostra personale, nello spazio 1300m ^ 2 a Yokohama, e lei è anche uno degli artisti di cui mi fido di più. Le due barche rappresentano le palme dell’essere umano, il filo rosso è il legame tra le persone, e le chiavi sono un enorme tensione data dalle memorie della gente. Le chiavi cadono giù dal soffitto in possesso di una quantità enorme di documenti e dei ricordi delle persone, e sono abbracciate alle imbarcazioni o alle palme. Accuratamente e delicatamente, le barche ritirano le chiavi (i record e le memorie), anche quelli cadute dalle palme, e vanno avanti ricreando la composizione».
Come cambia l’approccio curatoriale, in un Padiglione Nazionale alla Biennale, rispetto a una mostra ‘normale’ in un museo?
«Di solito quando curo una mostra, cerco di trasmettere un messaggio all’audience, consentendo loro di incontrarsi, comunicare e interpretare le opere d’arte mentre camminano attraverso lo spazio espositivo. Tuttavia, per la Biennale, molte persone provenienti da tutto il mondo vengono a vedere una quantità di opere d’arte ritenute in parte stravaganti in un lasso di tempo brevissimo; quindi mi sono concentrato sulla creazione di un lavoro che trasmettesse un messaggio chiaro a prima vista».
Come è stato il vostro approccio dovendo avvicinare i diversi pubblici presenti a Venezia: addetti ai lavori, giornalisti, curatori e critici concentrati intorno alla preview, il pubblico generico che partecipa nei vari mesi e gli artisti nuovamente presenti per il finissage?
«Non ho modificato il modo in cui avvicinare il pubblico. Scegliendo Chiharu Shiota, ero fiducioso che il suo lavoro sarebbe arrivato immediatamente al cuore della gente, così mi sono concentrato sulla creazione di un ambiente che potesse incubarlo e nel quale fosse possibile concentrarsi sulla sua creazione».
Come sono cambiate le pratiche curatoriali e come si sono orientate negli ultimi anni in Giappone?
«Recentemente in Giappone, l’arte spaziale come la fine art e l’arte temporale come la performing art si sono avvicinate, e molti programmi istituzionali espositivi trasversali sono emersi. Io non faccio eccezione, e ho avuto modo di sperimentare molto con la costruzione di una relazione proficua ed intensa tra i diversi generi artistici. Dal 2007 ho curato più di trenta eventi che si sono svolti in spazi idonei, tra cui un analisi sulla musica contemporanea, la forma di teatro Nō e altri spettacoli tradizionali giapponesi, fino alla danza contemporanea».
Camilla Boemio