visualia_interviste | Jane & Louise Wilson

Avete girato alcuni video che riprendono interni senza esseri umani. Sembra che siate affascinate da questo tipo di ambienti. Perchè?
La ragione per cui gli ambienti non hanno persone al loro interno è perché sono stati abbandonati, non sono più abitati. La scelta per questo tipo di situazioni è legata probabilmente al nostro interesse per la storia recente e soprattutto per il passato recente: alcuni di queste costruzioni non sono più rilevanti o non sono più funzionanti, perché la storia procede e muta, eppure sono ancora parte del nostro passato, della nostra storia. Sono in una specie di limbo, ed è questo che vogliamo esplorare: l’essenza particolare di qualcosa che è ancora parte del nostro passato, ma sembra non avere più importanza, non è più utilizzato.

Scegliete spesso anche edifici che hanno una connessione con il potere…
In un certo senso tutti gli edifici hanno connessioni con qualche tipo di potere! “Potere” è una parola così generica a volte. Potere, possente… L’architettura è essa stessa possente e questa è la natura di ogni sito. Ma alcuni edifici hanno un “passato politico” e sembrano parlare di quel particolare “passato politico”.

E la presenza umana, invece? Nei due lavori che vengono presentati alla Fondazione Halevim compaiono delle persone. Nel video Dreamtime si vedono esseri umani (addetti ai lavori e astronauti) sulle strutture esterne di un razzo spaziale, mentre nel video a 4 canali Monument (Apollo Pavillion, Peterlee) ci sono dei bambini che giocano sulle strutture abbandonate dell’edificio. Entrambi danno l’impressione di un’estrema fragilità…
In Dreamtime –magari può sembrare troppo romantico!- c’è quasi un senso di un sacrificio. Tre cosmonauti che stanno per essere mandati nello spazio, ha un che di sacrificale, in un certo senso… ovviamente hanno tre tonnellate di carburante che li porteranno a destinazione; c’è anche un senso di aggressione e un certa tensione. E quando guardi la struttura in sè, sembra in effetti una specie di catapulta meccanica, basilare, eppure alimentata da tutto quel carburante… sembra quasi un “burning man”, un fantoccio che brucia: come dicevamo prima, una specie di rituale, un sacrificio. E’ sicuramente qualcosa di estremo a cui prendere parte.
Per quanto riguarda invece l’altro video, Apollo Pavillion, i bambini non potrebbero arrampicarsi su quella struttura, è proibito. Ma questa è per loro un divertimento eccitante. Sembra che questo edificio l’abbiano colonizzato, conquistato: per loro è un parco giochi. Quello che è interessante e divertente è come lo scalano, come si arrampicano su di esso, sono così agili. Per loro è un posto fantastico per giocare…

Parliamo di nuovo delle strutture prive di presenze umane: sono state create dagli uomini, ma sembra che abbiano una loro vita propria, una sorta di genius loci…
Secondo noi c’è piuttosto una memoria, un senso della memoria che ogni visitatore si porta dietro quando percorre questi luoghi; ognuno si porta il proprio senso della storia. Nel lavoro abbiamo cercato decisamente di condensare l’esperienza. Le cose, come hai detto, hanno una specie di “atmosfera”, forse non proprio uno “spirito”, ma sicuramente hanno un’atmosfera. Quello che cerchiamo con tutte le nostre forze di distillare in alcuni dei film e delle installazioni è di evocare davvero una sorta di atmosfera.

Come artiste, avete al vostro attivo video, ma anche fotografie e alcune sculture. Perchè avete scelto in particolare il video e la fotografia come media d’elezione?
Quando abbiamo cominciato a lavorare insieme, facevamo fotografie e giravamo video in Super8; abbiamo visto parecchie performance e lavori “time-based”. In qualche modo il video è stato un’estensione naturale, un passaggio dalle immagini fisse delle fotografie alle immagini in movimento. E poi il film è la maggior forma d’arte del XX secolo. Viviamo in una cultura, in una società formata dal cinema, il linguaggio filmico è d’uso corrente. Abbiamo sempre fotografato lo spazio, poi dalla fotografia siamo passate a voler animare le situazioni, a volerci muovere attraverso lo spazio: ci è sembrato logico a quel punto passare al video, al filmare gli spazi. In generale la fotografia precede il processo filmico…

Nei vostri video sembra che adottiate un punto di vista esterno, lontano dal soggetto filmato, che abbiate un’attitudine neutra nei suoi confronti.
E’ sicuramente una scelta consapevole quella di posizionare lo spettatore in una determinata situazione. Siamo consapevoli della fisicità del vedere, di come la visione del film debba essere anche un “incontro fisico”, in un certo senso. Abbiamo scelto di non partecipare ai nostri video e di non avere un rapporto diretto con le cose o le persone che filmiamo. Tendiamo a “uscire” perché quello che vogliamo tentare di fare è rappresentare cose che vanno al di là di noi stesse, avere un impatto maggiore, un’implicazione più impersonale, andare oltre la nostra esperienza personale, di artiste e di spettatrici. C’è qualcosa che vogliamo condividere con lo spettatore. Cerchiamo di “fare un passo indietro” in modo che ci sia uno “spazio” in cui lo spettatore possa entrare, vedere il lavoro e provare la propria esperienza, piuttosto che la nostra.

Gli spazi che riprendete danno spesso un’idea di tensione, quasi di ansia, dove anche le persone, quando ci sono, acquistano uno status non umano…
In Dreamtime i corpi che occupano lo spazio diventano quasi “scultorei”, quasi rimossi in un certo senso; in Apollo Pavillion è veramente importante l’intervento dei bambini sulla costruzione, dove c’è quasi un momento di anarchia su questa struttura così modernista. In Dreamtime poi, è ripreso il lancio di un razzo, qualcosa che non fa parte della nostra esperienza comune, ecco perchè abbiamo scelto di rappresentarlo, di mostrarlo ed ecco perchè fa sentire una certa ansia: è qualcosa di assolutamente insolito. Inoltre si assiste ad un evento, al suo procedere, il che provoca sicuramente un crescendo di tensione fino al lancio finale.

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monica ponzini