Slow Manifesto: il desiderio sotto pressione alla Galleria A plus A di Venezia

“Product, price, place, promotion”: si tratta della forma estesa delle quattro “P”, sintetizzate nel 1960 dal professore E. Jerome McCarthy all’interno del testo Basic Marketing. Il saggio schematizza e connette due pulsioni, l’una riferita al produrre e l’altra al desiderare, incastrandole insieme al fine di creare una formula ripetibile che ne domini i valori. Ad oggi la reciprocità di questi impulsi sembra aver creato qualche guaio, alimentando esponenzialmente la crescita incontrollata della società del consumo. Il paradosso del sistema dell’arte contemporaneo, contemporaneamente libero e asservito alle quattro “P”, sfuma nel momento in cui l’arte stessa inizia a riflettere sulle proprie dinamiche, interne e non solo, incarnandosi in uno strumento critico destinato a inabissarsi oltre i confini dell’abitudine.

La mostra Slow Manifesto, allestita presso gli spazi della Galleria A plus A e curata dai partecipanti alla 32esima edizione del Corso in Pratiche Curatoriali e Arti Contemporanee della School for Curatorial Studies Venice, inscena un cortocircuito, esplorando tramite le opere in mostra le possibili declinazioni del desiderio riferito agli esiti della macchina capitalista.

​Gli artisti italiani e internazionali selezionati dai curatori (Riccardo Benassi, Thomas Braida, Nina Ćeranić, Numero Cromatico, Petra Cortright, Sylvie Fleury, Esther Gamsu, Lauren Lee McCarthy, Jon Rafman e Rafaël Rozendaal), contribuiscono alla creazione di un dibattito corale intorno alle dinamiche del condizionamento di un desiderio che, lungi dall’esistere nella sua forma pura e sospirata, è stato trasformato in una moneta di scambio.

A seguito delle pressioni sociali la soggettività crolla: le brame, confezionate a tavolino da un rodato meccanismo esterno, smettono di rientrare nell’ottica del bisogno delineandosi piuttosto come volontà simulate. E in questo caso l’arte accorre in aiuto smascherando la struttura del sistema pubblicitario, eternizzando il frame di un reel, ridando valore a oggetti di seconda mano e proponendo una fuga, attraverso il travestimento, da algoritmi e proposte targettizzate che vedono il singolo come un bersaglio.

L’allestimento della mostra si propone di inscenare due ambienti opposti: al piano terra vi sono bombardamenti mediatici e conseguenti soluzioni, mentre il primo piano offre un ambiente catartico e meditativo molto più semplice, raggiungibile attraverso un distacco anche fisico costituito in questo caso dalle scale della galleria. Le aperture offerte dalla configurazione strutturale del primo piano, utili a sbirciare la situazione proposta al piano terra, aiutano a riflettere sul sentimento di velata estraneità che si crea osservando la vita dall’alto, invitando gli spettatori della mostra a ragionare sull’immediata sensazione di sollievo. Il momento dell’inaugurazione in questo senso è stato rappresentativo: il calore e la folla presenti in corrispondenza dell’ingresso della galleria hanno ceduto progressivamente il passo a un ambiente fresco, scuro e solitario, in cui schermarsi dagli stimoli proposti dalla prima parte dell’allestimento.

​Nonostante la volontà di ricostruire un ambiente denso di stimoli sia frutto di una chiara scelta curatoriale, i lavori al pianterreno sembrano soffrirne, meno valorizzati rispetto agli spazi liminali dedicati a ospitare le opere di Rozendaal e Rafman. Il concept della mostra si basa comunque su una riflessione urgente che viene adeguatamente approfondita, in particolare grazie all’utilizzo di medium e linguaggi espressivi tra loro molto diversi.