SATURNO: LUNE, ANELLI E MITOLOGIE |

Saturno è il quinto pianeta del sistema solare in ordine di distanza dal Sole. Averlo quindi a sfavore – e ce lo mostra Saturno Contro (2007), il film di Ferzan Ozpetek, in cui a far da tema principale è la separazione – significa vivere sotto il segno di cattivi presagi e infelici sventure. Ma è anche sinonimo di cambiamento, di nuovi incontri dai quali si può uscire provati e persino migliorati.
Sono comunque molteplici le discipline, dalla letteratura alla psicologia e dalla medicina all’antropologia, ad aver studiato gli effetti di Saturno in quanto condizione malinconica tendente al depresso e come dimensione necessaria per procurare solitudine e rallentare i processi del pensiero. Ma tra le discipline del Novecento è stata certamente la storia dell’arte ad aver lasciato in eredità le testimonianze più significative sul tema. E forse questo è accaduto proprio perché il dibattito critico sulla validità delle diverse metodologie di analisi ed esegesi dei fatti artistici era nel pieno del suo fervore.
Nell’ambito delle ricerche dell’Istituto Warburg, infatti, prima ad Amburgo poi a Londra e negli Stati Uniti, nasce l’iconologia, nuova metodologia di interpretazione del significato delle immagini per superare la contrapposizione tra la storia delle forme artistiche e la semplice iconografia. Tra i primi teorici di questa modalità di lettura dell’opera d’arte troviamo Erwin Panofsky e Fritz Saxl, entrambi collaboratori dell’Istituto Warburg, che pubblicano nel 1923 – e non è dunque un caso – un saggio sulla Melencolia (1515) di Albrecht Dürer.
Fondato sulle ricerche di inizio Novecento di Karl Giehlow, il testo è una complessa interpretazione del significato simbolico dell’incisione dell’artista tedesco. La trattazione è compiuta con una precisa ricognizione della lontana origine della divinità di Saturno e, attraverso un’articolata ricostruzione delle trame della loro evoluzione in termini di continuità, contaminazione e variazione nell’intreccio di filosofia, medicina, psicologia e storia letteraria, esamina il tema della malinconia. Il saggio fu il primo tentativo di dimostrare come alcuni dei maggiori capolavori dell’arte e del pensiero si fossero nutriti di credenze e pratiche popolari che altro non erano se non frutti degeneri della scienza e della speculazione classiche.
A distanza di alcuni decenni, il tema di Saturno e della melanconia è nuovamente affrontato, sempre in area tedesca, da Rudolf Wittkower, anch’egli collaboratore dell’Istituto Warburg e autore di una serie di saggi che hanno per oggetto il problema della migrazione dei simboli da Oriente a Occidente. Ma il più interessante tra questi, per l’excursus saturnino, è senza dubbio Nati sotto Saturno. La figura dell’artista dall’antichità alla Rivoluzione francese (1963). Scritto a quattro mani con la moglie Margot Wittkower, il testo è un saggio decisamente attuale per l’indagine sull’animo melanconico degli artisti, quel particolare temperamento che alcuni filosofi rinascimentali ritrovano in molti artisti in quanto personalità egocentriche, lunatiche, nevrotiche, ribelli e stravaganti, ma al tempo stesso con il genio della creazione. I due critici ripercorrono così le radici del mito dei nati sotto il segno del pianeta in un arco di tempo che va dalla civiltà greca alla Rivoluzione francese e indagano quando, come e perché si sia formata nella coscienza collettiva l’immagine dell’artista, quali ne siano stati i tratti distintivi e le fortune.
Arrivando al presente, anche Arto Lindsay – nel saggio Malinconia, contenuto nel catalogo della Torino Triennale – sostiene che l’influenza malinconica di Saturno può diventare un mezzo per giungere alla contemplazione: “La nostra vita è soggetta a un nuovo tipo di malinconia”, scrive infatti l’artista newyorchese, “ma non quella medioevale con il suo ruolo di diagnosi precoce della depressione o le successive mutazioni che hanno fornito le basi per i romantici e i decadenti, quanto invece, quel temperamento insinuatosi parallelamente alla nascita dell’individualismo, alla solitudine ritenuta necessaria per l’ispirazione e alla natura effimera della giovinezza e della beltà”.

E in questa direzione sembrano anche muoversi molti degli artisti invitati alla seconda edizione della Triennale torinese diretta da Birnbaum. Verso, cioè, il recupero della propria storia individuale in assenza di un senso da attribuire al presente. Nei loro lavori, infatti, sono presenti gli evidenti segni di ferite narcisistiche, di quell’insicurezza che porta a parlare sottovoce e che, nell’impossibilità di dare un senso all’esistenza, chiede continuamente conferme e legittimazione, nascondendone, invece, tutte le paure e i disagi che attanagliano l’individuo.
Alla fine, forse, è proprio come accade alla figura femminile rappresentata nell’incisione di Dürer, poiché anche lei, in fondo, ha in terra tutti gli strumenti necessari per muoversi ma, a quanto pare, con lo sguardo perso nel vuoto, non riesce a trovare l’energia e la giusta intuizione per usarli. Ed ogni cosa nell’incisione è sospesa nello spazio e nel tempo. Tutto è in posizione di equilibrio instabile, è contrapposto fra due stati dell’essere, fra due possibilità: la disperazione e l’ispirazione.