L’artista è per definizione un viaggiatore curioso nei mondi della realtà percepita con la forza dei sensi oppure con la seduzione di approfondimenti culturali, che costituiscono la piattaforma di lancio per i suoi tragitti fantastici, nei quali trova modo di far combinare mondo onirico e fisico, tratti dell’esistente e fisionomia della metafora, contorno di un’idea e labilità del sogno. Klaus Karl Mehrkens si muove con disinvoltura a ritroso nel tempo e nella prospettiva lunga di uno spazio dilatato, per ritrovare motivi di corrispondenza con gli ambienti che gli sono consueti, quelli di ogni giorno, ritmati dalle occupazioni quotidiane. Si imbatte in uno specifico genere di stampe giapponesi per caso, ma non troppo se si pensa che talora la ricerca non ha obiettivi espliciti da raggiungere eppure arriva ad approdi che inconsciamente il soggetto creante coltiva dentro di sè, esplicitandoli in maniera chiara nel momento in cui diventano concretezza visiva. Così l’occhio del pittore indugia su un argomento che cattura la sua attenzione: si tratta dell’Ukiyo-e, il complesso di “immagini del mondo fluttuante”, consegnate a un genere di stampa artistica, realizzata su blocchi di legno nel periodo tra il XVII e il XX secolo: i temi variano dai paesaggi ai soggetti teatrali, dalle scene registrate nei quartieri di piacere a figure dell’esistenza d’ogni giorno. In origine l’espressione “mondo fluttuante” rimanda all’effervescente vita culturale fiorita nelle città di Edo (oggi Tokio), Osaka e Kioto, ma anche all’“universo della sofferenza”, il ciclo continuo di trasformazione a cui è sottoposta la dinamica evolutiva in natura, l’alternanza di vita e morte.
L’artista tedesco considera con attenzione questo modo degli Ukiyo-e di ritrarre le attività abituali nelle consuete mansioni di lavoro oppure le inquadrature di scorci tipici dei quartieri di piacere; le opere presentano belle cortigiane in pose seduttive, lottatori impegnati a mostrare il proprio sfolgorio muscolare, attori nell’esercizio della loro professione. A questo mondo si rifà Mehrkens, non per replicare atmosfere che pur offrono diversi spunti di interesse per l’uomo contemporaneo, ma per trovare momenti di connessione tra la maniera di dar corpo all’immagine in quel tempo e la voglia di catturare evidenze di vita nel presente. Il “Mondo fluttuante” può dilatare allora le proprie opzioni significanti allo stato di sospensione con cui si mostrano molte vicende della cronaca odierna, dove la prospettiva è in balÏa di un movimento oscillante tra un esito e il suo opposto, tra una soluzione ritenuta possibile e l’affermazione di quella contraria; insomma il rimando a uno stato permanente di fibrillazione degli individui, che si organizzano sulla base dei desideri del momento più che sulla certezza di nuclei stabili di riferimento. Questo è interpretato in maniere molto diverse, se si pensa che i poli opposti di sensibilità sono rappresentati dall’entusiasmo per la novità continua da una parte, dalla sofferenza per l’instabilità dall’altra.
Nelle opere precedenti l’artista esibisce un tipo di pittura, fondata sul valore strutturante dell’impasto cromatico che, dislocato sulla tela, si presta ad essere plasmato come fosse materia viva da cui estrapolare accenni figurali, dai paesaggi alle presenze umane. Qui il colore è una sostanza propulsiva di moti, che si precisano all’occhio dell’artista con quel carico di imponderabilità che è tipica della poesia. “La scintilla generatrice dell'evento non sta nella pura realtà, ma proprio nella sostanza psicologica e mentale del soggetto creante, che ha sedimentato dentro di sè una serie cospicua di possibilità luministiche, ha "respirato" tutta una serie di situazioni che si sono impresse nella sua memoria lasciando una traccia profonda, sulla quale va ad incidere il guizzo perentorio della creatività; questa è impegnata a far fluire sulla superficie il cumulo di sensazioni che trovano puntuale rispondenza in una cromia sempre diversa. I landscapes sono allora opportunità per rendere visibili le parti più segrete dell'individuo, quell'intreccio di emozioni e sentimenti che vengono allo scoperto proprio a contatto con la realtà; questa, peraltro, a opera finita, scompare con i suoi lineamenti riconoscibili e diventa "altro", un territorio dove si incontrano in bella armonia colore, luce e segno. La consistenza medesima del colore si fa a tratti unitaria sfiorando una dimensione monocroma, se non fosse per quelle minime vibrazioni in trasparenza che ne modificano struttura e densità, presentandosi in alcuni punti in morbida stesura, in altri in scattante fraseggio, ossia scrittura dello spazio che viene imbrigliato da un reticolo fitto di tracce sottopelle; esse sono rivelatrici di una gestualità, accesa sui ritmi impressi da un'idea di paesaggio, che prende forma sotto gli occhi del pittore offrendosi come immagine allo stato nascente, qualche volta difficilmente prevedibili nella strategia compositiva”.
La pittura comincia gradatamente a smaltire il senso di una fisicità, leggibile nel rilievo materico, e si fa invece celebrazione assoluta della superficie, in cui a livello allusivo cerca un varco verso una profondità tutta immaginaria.........
.......... Immerse in un ambiente liquido, le donne paiono ritratte nella piena consapevolezza di essere riprese dall’obiettivo dell’artista che, sulla base degli Ukiyo-e, organizza la composizione dilavando la superficie con un colore molto diluito, capace di creare l’illusione di un evento in una sorta di ambiente subacqueo.
Enzo Santese