All the world’s a stage – la celebre frase di William Shakespeare tratta da As You Like It è il titolo della nuova mostra personale dell’artista ghanese Ishmael Armarh, che inaugura il 21 febbraio 2026 presso la Black Liquid Art Gallery nell’ambito della Black History Month.
All the world’s a stage diventa la chiave di lettura dell’universo visivo di Ishmael Armarh. Se tutto il mondo è un palcoscenico, allora ogni presenza è attore, ogni gesto è parte di una regia, ogni colore costruisce una scena.
È in questa dimensione teatrale che lo spettatore viene accolto: uno spazio che avvolge lo sguardo e lo conduce dentro un racconto, trasformando la visione in esperienza. Le opere non si limitano a rappresentare un evento o un’azione compiuta: mettono in scena situazioni sospese, frammenti di un immaginario che si offre allo spettatore con naturalezza, chiedendo tempo, attenzione, immersione.
La dimensione teatrale è sempre presente, lo spazio non coincide con quello del reale quotidiano: è un luogo costruito, intermedio, in cui ogni gesto appare trattenuto e ogni relazione sembra svilupparsi secondo un ritmo già interiorizzato. L’azione non esplode, ma si stabilizza, si ripete, si affina. È una pittura che suggerisce un gesto già vissuto, già assimilato, reso fluido attraverso la reiterazione.
In questo contesto le figure assumono pienamente il ruolo di protagoniste. Coppie, gruppi, presenze affiancate o in dialogo occupano lo spazio con decisione, diventando gli attori assoluti della scena. Non sono immerse nell’atmosfera: la generano. Catturano lo sguardo dello spettatore, lo trattengono, lo guidano e lo catapultano nella dimensione del quadro. La composizione non le contiene, ma le amplifica, rendendole fulcro dinamico dell’intero impianto visivo.
I volti, talvolta schermati o trasformati, non cercano introspezione psicologica: affermano una presenza. Non si offrono come confessione, ma come dichiarazione. L’identità appare qui come forma assunta, come ruolo consapevolmente abitato. In questa scelta si può cogliere una lontana affinità con il pensiero pirandelliano: la maschera non è finzione né inganno, ma condizione strutturale dell’esistenza sociale e visiva. Essere significa apparire; apparire significa prendere forma nello spazio della rappresentazione.
La messa in scena è apertamente enfatica, quasi ostentata. Non teme l’eccesso, non cerca il sussurro. È un impianto visivo che si impone, che invade lo spazio dello sguardo con colori saturi, contrasti vibranti, densità compositiva. C’è una componente volutamente chiassosa, una teatralità dichiarata che non chiede permesso ma cattura immediatamente l’attenzione. E tuttavia, proprio in questa sovrabbondanza controllata, si attiva un secondo livello di lettura. L’occhio, inizialmente attratto dall’impatto globale, è poi costretto a rallentare, a distinguere, a entrare nei dettagli. La ricchezza visiva non produce caos, ma stratificazione. Ogni postura, ogni variazione cromatica, ogni modulazione della superficie partecipa a una regia rigorosa che trasforma l’apparente eccesso in costruzione.
Abiti, posture, accostamenti cromatici non sono elementi accessori: sono dispositivi visivi che consolidano la centralità delle figure e ne rafforzano l’impatto. Ogni opera si configura come un fotogramma tratto da un teatro immaginario, ma qui gli attori non recitano per sé: recitano nello sguardo e attraverso lo sguardo.
Fondamentale, in questa costruzione, è lo spazio pittorico. La superficie è attraversata da una trama fitta di tasselli cromatici che non definiscono un ambiente realistico, ma generano un campo visivo continuo e vibrante. Questa costruzione per frammenti produce un ritmo interno che sostiene la scena e ne amplifica l’intensità.
In tale struttura si può cogliere un richiamo esplicito – puramente visivo e non metodologico – alla tradizione del puntinismo inaugurata da Georges Seurat. Come nelle opere di Seurat, la superficie non è un fondale neutro ma una trama attiva, costruita attraverso la giustapposizione di unità cromatiche che, accostate, producono una vibrazione luminosa. Tuttavia, in Armarh non vi è alcuna adesione al programma scientifico del Neo-impressionismo né alla sua analisi ottica del colore: il riferimento è esclusivamente formale e percettivo. La frammentazione della superficie non nasce da un principio teorico, ma da un’esigenza di ritmo, di densità visiva, di costruzione strutturale dell’immagine.
La vibrazione cromatica scaturisce dall’accostamento modulare dei tasselli, dalla ripetizione controllata, dal dialogo tra campiture che, nell’insieme, ricompongono l’unità della scena nello sguardo dello spettatore. La superficie diventa così un campo di forze che non si limita a sostenere le figure, ma le intensifica, le carica di energia, le rende ancora più presenti.
All the world’s a stage si configura allora come un teatro consapevole e misurato, costruito attraverso il colore, il ritmo e la centralità delle presenze. È un mondo sospeso ma potente, coerente ma vibrante, in cui ogni elemento concorre alla creazione di una realtà profondamente visiva, dove la scena non racconta soltanto: afferma, trattiene, coinvolge.
La mostra, curata da Antonella Pisilli, si inserisce nel programma della Black Liquid Art dedicato alla valorizzazione della ricerca contemporanea africana e afrodiscendente, confermando l’impegno della galleria nel promuovere linguaggi visivi capaci di dialogare con la storia dell’arte e con le urgenze del presente.