Here and There nasce come un dialogo sottile tra presenza e distanza, tra ciò che si offre allo
sguardo e ciò che continua a vibrare nella memoria. Il titolo non indica due luoghi distinti, ma uno
scarto percettivo: quello spazio intermedio in cui l’esperienza si trasforma in immagine e
l’immagine, a sua volta, ridefinisce l’esperienza. La mostra riunisce le ricerche di Kate Waters,
Bernard Ammerer e Mickaël Doucet attorno a una riflessione condivisa sul tempo e sulla luce
come elementi strutturali della pittura contemporanea.
Le loro opere non descrivono semplicemente ambienti o situazioni; costruiscono dispositivi visivi in
cui il tempo rallenta e la percezione si fa più consapevole. In tutti e tre gli artisti, la pittura non è mai immediata né narrativa in senso tradizionale. È un processo di sottrazione, di concentrazione
e di sospensione, un modo per trattenere l’istante e farlo risuonare oltre la sua evidenza.
Kate Waters sviluppa la propria ricerca a partire da ambienti urbani attraversati dalla presenza
umana. Spesso partendo da immagini fotografiche, l’artista seleziona frammenti di quotidianità —
persone in attesa, figure colte nel transito, gesti minimi e ordinari — per trasformarli in momenti di
intensità silenziosa. Attraverso velature cromatiche e modulazioni luminose, il visibile perde
definizione e si fa permeabile. Architetture e figure emergono in equilibrio tra presenza e
dissolvenza, e la città si configura non più come semplice scenario, ma come luogo emotivo e
mentale. Nei suoi dipinti, il quotidiano si carica di una dimensione introspettiva: la realtà urbana
diventa una soglia in cui memoria e percezione si sovrappongono, restituendo allo spettatore un
tempo dilatato e riflessivo.
Nella ricerca di Bernard Ammerer, il paesaggio naturale assume una centralità decisiva. Le sue
opere si concentrano su spazi ampi e silenziosi — distese, rilievi, cieli e superfici attraversate dalla
luce — che si offrono come campi di contemplazione. L’eventuale presenza umana è marginale,
quasi assorbita dalla vastità dell’ambiente. La luce e la materia pittorica costruiscono una tensione
trattenuta, una sospensione che non rimanda a un evento specifico ma a uno stato percettivo. Nei
suoi lavori, la natura non è rappresentata in chiave descrittiva, bensì come esperienza atmosferica
e interiore. Il tempo sembra espandersi nello spazio, invitando lo sguardo a una dimensione di
concentrazione e ascolto.
Mickaël Doucet orienta invece la propria indagine verso gli interni e gli oggetti che li abitano.
Stanze silenziose, tavoli, sedie, aperture, superfici attraversate da una luce calibrata con
precisione: ogni elemento appare disposto come se custodisse la traccia di qualcosa appena
accaduto. L’assenza della figura umana non implica vuoto, ma una presenza indiretta e
persistente. Gli oggetti diventano indizi, segni di una temporalità sospesa che suggerisce una
narrazione senza mai esplicitarla. L’architettura si trasforma in dispositivo percettivo: non semplice
ambientazione, ma struttura attiva che guida lo sguardo e ne rallenta il ritmo. Nei suoi dipinti, lo
spazio interno si fa spazio mentale, luogo di memoria e concentrazione.
In Here and There le tre ricerche si incontrano in una trama di risonanze sottili. Urbano, naturale e
interno non sono ambiti separati, ma variazioni di una medesima tensione: quella tra il “qui”
dell’esperienza immediata e l’“altrove” della memoria e dell’immaginazione. La luce modella gli
spazi, il tempo si stratifica nelle immagini, e lo spettatore è invitato a sostare in quell’intervallo in
cui presenza e distanza coincidono.
La mostra propone così un attraversamento lento e consapevole. Non offre una narrazione
unitaria, ma un campo di relazioni in cui ogni opera diventa luogo di permanenza e riflessione. In
questo spazio sospeso, la pittura si afferma come strumento capace di rendere visibile ciò che
normalmente sfugge: la durata, l’attesa, la traccia silenziosa dell’esperienza.