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Esposizione aperta al pubblico dal 23 dicembre 2026 - ore 16.00

Artisti: Stuart Arends | Federico Borroni | Eelco Brand | Pierpaolo Calzolari | Arthur Duff | Alberto Garutti | Herbert Hamak | Jacob Hashimoto | Igino Legnaghi | Michael Light | Emil Lukas | Hiroyuki Masuyama | Kevork Mourad | Franco Passalacqua | Lucas Reiner

Il nero non è mai un semplice colore ma un vettore concettuale, un materiale dinamico, un significante esistenziale, uno strumento semantico.

L’indagine etimologica del Nero rivela un’ambivalenza strutturale che ne ha definito l’uso come segno nel linguaggio e nell’arte, fenomeno percettivo con significati distinti nell’epoca antica evoluto – o ridotto – in “assenza di luce,” nell’epoca contemporanea. Il latino offriva due significanti fondamentali che prefigurano l’approccio Minimalista alla percezione: ater, per quel nero opaco e sporco, associato a connotazioni negative e che ha dato origine al termine italiano “atrocious“, e niger, che indicava il nero denso e brillante, associato a un’eleganza raffinata. Questo schema linguistico è strutturato dal livello di luminosità—se una tonalità fosse matte o bright, dense o watered-down— che era spesso più importante di Nero, dal significato troppo ampio. Questa distinzione tra nero sporco e nero denso riflette la tensione tra l’aspetto simbolico di morte e paura e la sua evoluzione verso la dignità e il prestigio sociale, sfumature scalcinatesi nella evoluzione linguistica.

Sono quelle sfumature semantiche che hanno dato impulso all’evoluzione del pigmento nero per trasformare il materiale grezzo in un dispositivo percettivo sensoriale. Il pigmento, media per arte e scrittura fin dalla preistoria, era inizialmente ricavato dalla combustione incompleta di materie organiche in un processo che produceva fuliggine o carbone o dalla calcinazione di ossa nell’antico Egitto, il Noir d’Ivoire; uno spettro di materie puramente organiche fino al Nero di Carbonio industriale, ottenuto per pirolisi di idrocarburi; si è forse dispersa la varietà linguistica ma il Nero contemporaneo ha più colori che mai.

La traiettoria socioculturale del nero è un campo magnetico, oscillazione tra poli: negativo -morte, male, peccato- e positivo -potere, eleganza, rigore-, tra negazione e autorità. Dall’Antichità, sebbene il nero fosse associato a morte e a forze maligne, è anche un segno di fertilità e magia, rappresentazione, nella cultura egizia, del limo del Nilo; gli studi di San Girolamo nel IV secolo collegarono esplicitamente la “nerezza del peccato” a Satana, amplificati nel Medio Evo quando il Nero rappresenta diffusamente il Diavolo e il peccato.

Il perfezionamento delle tecniche di tintura diede una nuova valenza sociale positiva, il Nero divenne il colore della dignità, dell’autorità e del rigore. Fu adottato da giuristi, accademici e principi, affermandosi come l’opposto dell’ostentazione, poi la Riforma Protestante e ancora con le mode di corte spagnole, il nero divenne l’emblema della morale, della serietà e dell’eleganza maschile in tutta Europa fino a diventare un elemento caratterizzante della nuova borghesia urbana e industriale poi elevato a simbolo di chic assoluto – la petite robe noire di Coco Chanel – e, contemporaneamente, di ribellione e marginalità: il Nero cambia e si scambia tra eleganza e sovversione alimentando costruzioni culturali in evoluzione.

O.K…. E allora?

Nell’arte moderna e poi contemporanea il nero è un’idea, un punto di partenza per l’azzeramento della forma e della critica concettuale: estremismo metafisico, gestualità radicale, profondità emotiva, superficie riflettente, spazio potenziale, assenza/presenza di luce, … nero e neri per esprimere sensazioni senza nome, guardare la luce senza finestre.

“Art is Art. Everything else is everything else“, Ad Reinhardt

Ad Reinhardt ha elevato il nero a elemento formale centrale, cercando la purezza assoluta attraverso la negazione disciplinata. I Black Paintings sono il risultato di una delicata riduzione “estrema e completa”. Apparentemente semplici quadrati neri, queste opere richiedono una visione performativa—solo attraverso un tempo prolungato di osservazione e pazienza emergono le sottili differenze di tonalità e la struttura a croce nascosta. Reinhardt perseguiva l’invariante eliminando soggetto, colore, luce, piacere.

#000000, Questa esposizione, ha la radice in un’idea, si dirama per altitudini variabili che sfiorano la storia della galleria, di chi l’ha fondata, dei valori critici che l’hanno alimentata e dei parametri che ha imposto per inerpicarsi a identificare il valore del presente e del futuro.

Nell’epoca specificatamente contemporanea, nella quale l’arte sembra svuotata a contenitore di aspirazioni, di valori politici, di affermazioni individuali, di equivalenze economiche, di scambi intercontinentali, rielaborare la base fondante di Studio la Città potrebbe essere un gesto radicale, contro corrente, contro le mode, un gesto affermativo. il Nero qui oggi è un azzeramento formale e ideologico per ricucire, eliminare, scoprire, meditare, andare oltre.

“My painting represents the victory of the forces of darkness and peace over the powers of light and evil”, Ad Reinhardt

Il colore #000000, massima riduzione digitale del nero rappresentata dal codice esadecimale, si manifesta nel sistema RGB come l’assenza assoluta di Rosso, Verde e Blu (0, 0, 0), simboleggiando concettualmente il “zero della forma” teorizzato da Malevič e fungendo da punto limite o origine per un gradiente di colore, una transizione progressiva e graduale tra tonalità diverse.

Studio la Città
Lungadige Galtarossa, 21 37133 Verona – Italia

fino al 5 aprile 2026