Il bianco e il nero sono le fondamenta della poetica di Bruno Biondi. Osservando questo ultimo progetto bicromatico
si trova immediatamente un'intensa connessione poetica con il “Quadrato nero” di Malevic e con il suo pensiero
Suprematista che tanto ha dato all'incipit dell'Avanguardia Russa e non solo.
“L'evocazione volta alla pura non-oggettività nel bianco vuoto di un nulla libero” (cit. Malevic) è insita nel quadrato
nero di Malevic tanto quanto lo è nell'atto creativo del pittore Biondi. L'idea della trasformazione dell'artista nello
zero della forma è la creazione di un nuovo realismo non-oggettivo.
L'atto di dipingere è dunque liberatorio ed è liberato dal concetto di estetica, va oltre; ponendo al centro della
creatività l'atto pittorico in sé e la sensibilità che ne deriva in chi dipinge e da chi ne diventa poi fruitore. Biondi non
si basa dunque sulla rappresentazione della realtà ma riconduce le sue opere all'essenza dell'arte che è dunque
fine a se stessa. La fusione dei concetti verticali e dei campi, ossia delle superfici, è ormai un fattore evidente. In
alcune opere possiamo notare come l'escavazione divenga bianca se si sofferma sul bianco e nera se sul nero è
tracciata - come spiega l'artista stesso - e vice versa, in modo speculare. Ma il processo creativo non si ferma qui,
è in evoluzione costante.
In quest'ottica ciò che un solo elemento: il colore, affiancato dal concetto di verticalità - che è l'emblema tipico
dell'arte di questo artista - ci conducono così a voler riflettere sulla possibilità di elevazione interiore (in senso
verticale appunto), verso la ricerca di una luce, di un'evocazione spirituale e taumaturgica che guardi alla
purificazione dell'animo, dai trascorsi dolorosi; affrancandoci dalle sofferenze terrene. Allora ecco che il passato -
artistico ma anche umano di Biondi - ritorna attraverso il ricordo. Il rimando alle opere del passato è di fronte a noi
ed è inesorabile, incancellabile, in distruttibile.
Se nelle mostre passate la verticalità era accompagnata spesso dal gesto dell'escavatura nella tavola o nella tela
da parte dall'artista, nell'intento di andare oltre, anche attraverso un atto liberatorio; adesso l'accento è posto più
sulle matrici del bianco e nero e poi nella linea verticale, inserendo così una sintesi minimalista e approcciandosi in
modo decisamente più maturo e sinteticamente diretto ai sensi e ai mondi emotivi interiori...

Osservando più a fondo la poetica e i quadri di questa nuova mostra meneghina noteremo che il soggetto è anche
la ricerca materica, che è la vera genesi che permette ai concetti verticali la vita.
È da questa riflessione che nasce il progetto dei “dieci mondi”, dieci sensazioni scaurite da stati vitali che possono

partire dai mondi più bassi sino a quelli più alti, cioè illuminati (Inferno, Avidità, Animalità, Collera, Umanità, Estasi,
Studio, Illuminazione Parziale, Bodhisattva e infine Buddità) che lasciano emergere il loro mutuo possesso al
contempo.
Il Sutra del Loto è un importante insegnamento Buddhista che espone il mutuo possesso dei dieci mondi (che
sono contenibili l'uno nell'altro permettendo di conseguenza di illuminare anche i mondi più bassi) per rivelare che
le persone comuni possono manifestare la propria Buddità così come sono, senza dover rinascere in un’altra forma
o in un’altra terra. Il vero significato di percepire i dieci mondi dentro la propria mente consiste dunque nel
manifestare il mondo di Buddità - cioè la parte illuminata di noi, il mondo più puro ed elevato - che esiste nella
propria vita.
Osservando le opere dell'artista riesco a percepire l'esistenza di tutti i dieci mondi in ogni singola opera e non
soltanto differeziando ogni singolo stato d'animo nel singolo quadro. Tutti i mondi spirituali sono in esso contenuti e
si dipanano dai neri dell'inferno sino ai bianchi dell'illuminazione, passando nelle nostre menti grazie al segno
dell'escavazione che evoca la ricerca interiore. La verticalità ci rammenta il mondo di studio e di ricerca e via
dicendo... Ciò accade per ogni singolo mondo interiore, ponendosi come obiettivo il raggiungimento della vetta;
incamminandoci sempre più verso l'altro, verso quella sensazione di equilibrio e di quiescenza che dallo stato di
latenza vira verso un mero effetto manifesto di pace interiore a cui l'artista anela nel profondo del suo cuore. Allora
non resta che sprofondare nell'ambientazione di un Ex Chiesa, come quella di San Celso a Milano, luogo che per
antonomasia rimanda a quello che fu un tempo, cioè un luogo di preghiera, di raccoglimento, e che oggi
sconsacrata ci permette di accogliere questa esposizione, artistica inquesto luogo artistico-istituzionale, che si
collega così intimamente alla spiritualità di ognuno di noi e dell'artista. Notiamo il fondersi di una moltitudine di
mondi interiori; che con con l'ausilio dell'arte ci aiutano a osservare l'idea di speranza; quella speranza che in un
mondo pieno di violenza e di noncuranza è necessaria come causa di un futuro migliore e altruistico.