La mostra degli artisti del Circolo Culturale “Il Gabbiano” è la prima proposta del SACS (Spazio Arte Contemporanea Sperimentale) per l’anno 2006 e consente di concretizzare alcune tra le principali finalità di questo progetto, varato dal Comune di Quiliano nel 2005.

L’occasione di esporre le opere di artisti che hanno rappresentato e rappresentano la storia del “Gabbiano” realizza infatti il duplice obiettivo di promuovere la ricerca più avanzata nel campo delle arti visive nonché di offrire al pubblico strumenti per una fruizione più approfondita dell’arte contemporanea attraverso gli appuntamenti Guida alla mostra.

La mostra, allestita nel consueto e suggestivo spazio di Villa Maria, costituisce essa stessa l’ideale contenitore di iniziative nel campo della musica e della divulgazione culturale realizzate attraverso la collaborazione del coro Concento Armonico e dell’associazione Aemilia Scauri.

Altro elemento di novità è rappresentato dalla partecipazione al progetto dell’Istituto Internazionale di Studi Liguri e del Comune di Vado Ligure, in virtù della quale si è potuta predisporre una collettiva dei cinque artisti all’interno della locale Villa Groppallo.

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In tale ambito, attraverso rigorose rassegne tematiche e mostre personali, essi hanno suscitato contributi e riflessioni di spessore internazionale, incentrati sull’inesauribile processo, che identifica l’arte nel dispiegarsi di sottili progetti mentali sostenuti dalla centralità dell’idea. Un intrecciarsi di intuizioni delinea, infatti, il vastissimo perimetro della concettualità, scandita fisicamente da innumerevoli varianti dalla significativa valenza visuale, accolte negli spazi del Gabbiano, quali segni di una creatività che impone tempi prolungati di osservazione. Tantissime opere coniugano acuta originalità e perfezione esecutiva, testimonianze della tensione dell’artista verso la seducente bellezza.

Fatta questa breve e doverosa premessa, che intende consapevolmente affermare l’autorevolezza del Gabbiano, è opportuno indirizzare la nostra attenzione alle opere anche eccentriche di ciascun artista, che hanno non pochi motivi per alimentare con lo stupore il senso predominante della libertà. Nel loro intimo, inoltre, tutti e cinque sono autentici poeti e come tali sanno «posar le parole come il pittore i colori e vedere il mondo spiegarsi nel suo splendore» (A.Soffici).

Nel realizzare i suoi progetti visivi, Fernando Andolcetti si giova molto spesso della musica, straordinaria alleata che gli suggerisce preziosi motivi ispiratori, elaborati con inappuntabile bon ton. Così nascono immagini dense di armonie verbali e sonore, raccolte in lavori colti e formalmente eleganti, che hanno in dote una spontanea qualità comunicativa, perseguita come valore fondamentale. In particolare, la tecnica palesemente raffinata di Andolcetti è da ritenersi l’inderogabile peculiarità, a cui l’artista perviene affermando una ricerca depurata di qualsiasi traccia superflua.

Pure Emma Caprini privilegia l’essenzialità compositiva e le sue opere identificano con spiccata originalità diverse realtà dell’immagine, valorizzate da una speciale leggerezza, propria della scrittura minuta disseminata con ordine e in assoluta libertà su vari oggetti. L’artista pare convenire che l’arte si trova nelle cose e nella vita e, pertanto, in linea con la tipica indipendenza di Fluxus, compone uno spaccato visivo efficace nel legare alla propria intelligente operatività un approccio sdrammatizzante e giocoso.

Lo slancio sperimentale non è davvero fugace in Cosimo Cimino, artista che anche durante gli anni dell’espressività astratta ha sviluppato una pittura mai svincolata dal mondo esterno. Nel suo repertorio linguisticamente ricco e dalla convincente impronta concettuale si rileva la genuina propensione a non rinunciare alla rappresentazione, concretizzata di continuo in opere dai risvolti estetici quanto mai probanti. Ed allora l’idea si materializza indifferentemente su tavole di legno o sulla carta, sulla figuratività iperrealista ricavata dal minuzioso ritaglio di lattine colorate o lasciando il proprio sigillo di autenticità su attualissimi reportage fotografici.

Mario Commone è tra gli esponenti dell’arte concettuale che escludono dallo statuto della propria operatività qualsiasi aggancio ad una referenzialità fisica. Lo spazio è il luogo in cui egli inserisce proposizioni di celebri autori (Dove non c’è amore non c’è arte, Et quid amabo nisi quod aenigma est, ecc.), recuperate come citazioni già utilizzate da scrittori in libri di successo. Sono sconfinate le prospettive informative ed interpretative che si dispiegano dal processo analitico che scaturisce con la scelta non casuale di messaggi, il cui significato si estende ben oltre la letterarietà dei loro enunciati.

Mauro Manfredi, infine, è figura di primissimo piano nel panorama della poesia visiva, assunta come linguaggio autonomo, avvolgente e dall’inesauribile capacità combinatoria. La parola, rielaborata meticolosamente alla stregua di una miniatura, si amalgama in paesaggi reali ed architetture immaginarie, poetiche annunciazioni e labirinti impossibili, segrete sonorità ed incantevoli libri, riassunti in un’unica pagina intrisa di folgorante sapienza, di sana emotività e di pregiata sacralità.

Quella di Mauro è un’assenza che si avverte. Ci mancano la sua mitezza, la sua intelligenza, il suo sguardo accogliente ed ironico, le sue precise puntualizzazioni, inattaccabili e conclusive per la loro chiarezza. Ci sarà ancora molto da dire su di lui>>.

Valerio P.Cremolini