A pochi giorni dalla chiusura delle due antologiche su Carlo Lorenzetti e Bruno Conte, la Galleria Nazionale
d’Arte Moderna e Contemporanea celebra la figura di Giulia Napoleone con la mostra Realtà
in equilibrio curata da Giuseppe Appella.
Il titolo della mostra si riallaccia, come le due precedenti, al foglio manifesto Realtà in equilibrio scritto
da Fausto Melotti in occasione della collettiva alla Galleria Il Segno di Roma nel 1982 che esponeva,
oltre alla stessa Napoleone, anche Lorenzetti, Conte, Rodolfo Aricò e Giuseppe Uncini.
Centoquattro le opere (dipinti, sculture, disegni, incisioni, libri d’artista, datati 1956-2018) selezionate
per evidenziare la nascita e gli sviluppi di un preciso linguaggio formale, dei paesaggi interiori, dei paesaggi
“di puntini”, come li definisce lei stessa, di quella ricerca sulla complessità semantica che domina
la scena intellettuale e artistica degli anni Sessanta, in cui l’artista opera con la sua personalissima
lettura del reale mediata dalla poesia. “La poesia è come un paesaggio - scrive Giulia Napoleone - tutta la
comprensione delle cose avviene attraverso la poesia, a tutto corrisponde un verso. La mia lettura è una lettura
lenta e tormentata, un processo di assimilazione difficoltoso”. Un dialogo continuo e costante tra poesia e arte visiva caratterizza dunque il suo lavoro, dalle prime riflessioni sul tema del segno degli anni Sessanta,
immersi nello scandaglio dell’immenso archivio della tradizione per attingervi quanto necessario
per rinnovarsi sperimentando, alla consuetudine col colore, soprattutto il blu (“colore versatile”), che
muove dalla seconda metà degli anni Settanta, in cui l’assenza di materia fa riaffiorare la luce dal fondo
della carta con delicate trasparenze.
“Il crepitío del fuoco che anima fogli, sicoglass, tele, lastre, libri d’artista, è il medesimo. I segni paiono traversare
nel nevischio un intero continente, sintetizzando in un punto, che è al tempo stesso forma, le convergenze
di Klee, gli insegnamenti di Morandi, i fantasmi di Fontana, i diagrammi di Novelli, le estensioni di Sanfilippo,
le facezie di Tancredi, le cellule di Angeli, le ombre di Guccione. L’immagine del corpo duro di un lembo di terra
del nostro pianeta trova la sua rigida compattezza solidificandosi, anche nelle sue sonorità, tra mare, cielo e
montagne, per ritrovare la propria anima in un granello di sabbia che è fumo, odore e luce.
Agli infiniti intrecci che pervadono i territori attraversati da Giulia, alimentati di continuo da elementi tesi a
riflettere il barbaglio del sole, corrisponde un centro di confluenza che è il disegno, da sempre abituato a una
rilettura dell’architettura del paesaggio, alle geometrie impercettibili, alle piccolissime molecole che restituiscono
strutture sferiche tese a catturare estensioni dall’alto, così da presentare l’altra faccia del visibile, in un
continuo rimando alla lastra da incidere e viceversa.
Giulia mette insieme parti di natura, cerca di ricomporre l’infinita quantità di frammenti che sagoma lo specchio
di un suo paesaggio, tutto mentale, che sembra aver avuto inizio dal momento in cui la mano ha incominciato
a muoversi sul foglio e si annuncia senza estinzione, perché dopo di lei qualcun altro continuerà a cercare
il proprio equilibrio tra ascensioni e cadute di segni, addensarsi e diradarsi di punti, lacerazioni improvvise di un
terremoto che non vuole distruggere o abbandonare lacerti di oggetti e di memorie ma solo suggerire quanto si
muove sotto quelle tracce apparentemente compatte.
Il segno, perciò, purgato di ogni artificio, descrive ed alimenta la forma, si muove per reticoli e perle di luce,
toglie alla configurazione ogni staticità, la rende perpetuamente mobile, anima ciò che si fa immagine senza
abbandonarsi all’istinto e sottraendosi al pericolo di dover evocare il punzone come una presenza soffocata.
L’incisione non è l’ombra o la guardia vigile del disegno edificato sulla parete luminosa delle riflessioni. Il legame
di affinità rende l’uno il laboratorio dell’altra, anche se il fuoco di una ricerca silenziosa ma tenace, del senso
della misura e della posizione, viene concentrato nella disciplina come costante di un pensiero pronto a dilatare
la forma di tutti i corpi, i loro confini evidenti e la loro espressione meno apparente, i legami sottilissimi che
sostengono il magma delle cose e il linguaggio gremito edificatovi. Ne deriva una sorta di profilo di geometrie generate da un calore latente che tiene vivi fossili e astri, tra vapori
di nuvole e tappeti di polvere. Una geometria come metafisica dell’occhio, allora, per formulare un modello di
armonia sulle strade misteriose del ricordo concentrato su spazi piccoli come sepolcri segnati dai secoli? Le figure
generate secondo principi matematici non dissimili dai ritmi dell’esametro, scandiscono con determinazione
risultati di un rapporto numerico caro all’architettura e alla musica, entrambe rintracciabili nel meccanismo
della visione, nei legami che l’animazione luminosa pone tra i corpi, nella percezione delle cose viste a distanza, qui e là tondeggianti o smussate, tutte in ogni modo indirizzate a rivelarci il risultato di un incontro della macchina logica con la fantasia.
L’ordine continuo che ne deriva, attento a dar valore a ogni minimo accidente, a rendere vivo l’infinitamente
piccolo e la costante similitudine degli ‘insieme’ ben ordinati, in un vincolo indissolubile tra numero di segni tracciati secondo un preciso codice gerarchico, intensità di spazi bianchi e immagine definita, conferma il principio di Dedekind e le convinzioni surrealiste di Apollinaire: ‘Tra due punti di una retta c’è sempre posto per un altro punto’, fino al limite dell’infinito”

(Giuseppe Appella, curatore della mostra)