Progetto Associazione Artisolide Novara

A cura di Bruno Bandini

1 - 20 giugno 2014

Sale dell’Accademia

Complesso Monumentale del Broletto di Novara

Il progetto espositivo proposto prevede la partecipazione degli artisti sotto citati

con due opere sul tema del ritratto. Sedici artisti, operanti nel territorio nazionale

e internazionale, invitati a partecipare a questo progetto, attraverso la loro ricerca,

spaziando negli aspetti più diversi delle arti visive; dalla pittura tradizionale, alla

fotografia, al video, all'installazione con oggetti di uso quotidiano o industriale, alla

scultura realizzata con i materiali più vari.

Opere di

Davide Baroggi - Alberto Bongini - Corrado Bonomi - Massimo Caccia

Gianni Cella - Antonio De Luca - Salvatore Falci - Davide Ferro

Mario Finotti - Eliana Frontini - Florencia Martinez - Fabrizio Molinario

Max Papeschi - Massimo Romani – Leonardo Santoli - Giovanni Sesia



Catalogo con testo di Bruno Bandini

Si ringraziano

Comune di Novara, Assessorato alla Cultura

CSV Novara

Numismatica Novaria

Bistrot Nuares

Tipografia Vigentina, Zecone (PV)

INGANNI

“io sono questo” oppure “questo è il mio ritratto”

Non si tratta di un paradosso, di un gioco concettuale che ha a che fare con la

possibilità di additare noi stessi.

Il ritratto è un’immagine che in qualche modo ci custodisce. Custodisce una parvenza

che allude ad un’identità; una traccia sensibile che indica una presenza.

Può essere un’impronta, come quella che Menelao osserva, stupefatto, sul pavimento

che Elena ha calpestato un’ultima volta prima di raggiungere l’amato a Troia;

come quelle che insegue V. – fratello-investigatore che cerca di ricostruire la “vera

vita” di Sebastian Knight, protagonista del primo romanzo in lingua inglese di

Vladimir Nabokov – su una spiaggia che le maree saranno inevitabilmente destinate a

cancellare.

Può essere una riflessione che l’autore rivolge a se stesso, un interrogativo

rigorosamente personale che può basculare tra somiglianza fisiognomica e

sottolineatura del carattere, conformità al vero e idealizzazione, idealismo ed

espressione emotiva, tra astrazione e spaesamento.

Può, spesso, presentarsi come maschera, dissimulazione, inganno, senza dimenticare

che – come sottolinea Claude Lévy-Strauss – “la verità si riconosce dalla cura che

essa prende nel nascondersi”. Eppure disvelare è pericoloso, come lo è scoprire

la verità, che, per statuto etimologico, è “nuda”. Disvelarsi è inopportuno. Alle

celebrazioni dionisiache delle Menadi possono partecipare solo le donne. O meglio,

gli uomini possono essere della partita – a meno che non si tratti di Orfeo, che

disperatamente ricerca Euridice – solo se travestiti da donna. Se l’inganno decade, si

rischia la vita.

Insomma, fin dagli albori della nostra civiltà, mitica e letteraria, sembra valere

l’adagio “sua cuique persona”, “a ciascuno la sua maschera”.

Il ritratto non è solo un “genere” con il quale le arti visive si sono confrontate fin dai

tempi delle narrazioni omeriche, è anche una questione “etimologica”.

Che cosa significa “ritrarre”? Certo si tratta di “ritirare” di “tirare indietro” e,

figurativamente, di “trarre fuori l’immagine”, ma si tratta anche di “distogliere”, di

“sottrarsi”. Come dire: dietro un ritratto ci si nasconde.

Non appaia questa considerazione improntata ad una rivisitazione delle Etimologie

di Isidoro di Siviglia. Ma il termine “ritratto”, come ogni vocabolo e come voleva il

dottore della Chiesa del VII secolo, intrattiene una relazione con la “cosa” che si può

comprendere secundum naturam, oppure secundum propositum.

Come dire: il ritratto non è la pura radiografia di un volto, o non è solo questo.

Indipendentemente dai mezzi con cui il ritratto viene realizzato (pittura, scultura,

fotografia, assemblaggio), la “natura” del soggetto è sottoposta all’intervento del

“proposito”, della motivazione, della scelta che è propria dell’artista. In una parola,

alla sua creatività, al suo talento.

Insomma, tra realtà, raffigurazione e percezione, tra il soggetto che viene “ritratto” e

l’autore si instaura una relazione complessa e divertente, incredibilmente ambigua,

tra le infinite possibilità dell’apparire e lo sforzo di restituire l’apparenza alla

disponibilità del nostro sguardo.

Detto ancora in un altro modo, il “ritratto” è un modo di dire l’infinità delle

disseminazione di senso del soggetto raffigurato, alla ricerca di un’ombra

insopprimibile, di un quid che nella distrazione del quotidiano sfugge, per quanto la

“verità” di colui che viene ritratto sia inesprimibile, per quanto ogni ritratto non possa

far altro che nasconderla, celarla.

Eppure il ritratto ci invita a riflettere su una sua caratteristica specifica: il suo

essere apertura sul silenzio della propria immagine assente. Fa tornare dall’oblio

dell’assenza, ma, contemporaneamente, rammemora nell’assenza. In una parola è un

monito al nostro sguardo: lo scava, lo esaspera, lo demolisce a volte. Un percorso

allusivo e misterioso che indica un’identità che comunque resta sempre “altra” ed

attorno alla quale si organizza lo spazio del nostro sguardo.

Dunque è il nostro sguardo ad esporre il soggetto. E’ il nostro sguardo che viene

sedotto, perché il ritratto ci chiama a sé facendoci vedere ciò che non può essere

visto.

Come se la metafora paolina videmus nunc per speculum in aenigmate si facesse

carne delle immagini.

Bruno Bandini

Bruno Bandini è nato a Russi (Ra) nel 1952. Laureato in Filosofia (Firenze, 1976), è entrato nella

Pubblica Amministrazione ed è stato direttore della “Casa dello Studente” (1979-82), vicedirettore

della Biblioteca “Classense” (1983-84), direttore della Pinacoteca comunale di Ravenna (1985-

91). Dal 1991 è docente di “Storia delle comunicazioni visive” presso l’ISIA di Urbino. È

docente di “Fenomenologia delle arti contemporanee” e di “Linguaggi dell’arte contemporanea”

all’Accademia Cignaroli di Verona e, dal 2001; è incaricato per le discipline di “Storia e semiologia

del mosaico” e di “Antropologia del mosaico contemporaneo” all’Accademia di Belle Arti di

Ravenna.

Davide Baroggi è nato a Locarno nel 1974, vive e lavora a Pavia. Ha frequentato la N.A.B.A.

Nuova Accademia di Belle Arti di Milano, dove ha studiato con il Maestro Claudio Olivieri. La

sua ricerca esplode in un espressionismo coloristico di rara violenza e feroce, quasi inconsapevole,

purezza. Dipinge su tele e cartoni poveri, trovati, irregolari, a volte danneggiati e sporchi (ricordate

Munch?); dipinge tutto ciò che un infinito male di vivere gettato in colori gli detta.

Alberto Bongini è nato a Torino nel 1956, dove vive e lavora. Dopo il liceo artistico e la facoltà

di architettura a Torino, si dedica alle arti visive con esposizioni in tutta Italia dalla metà degli

anni Novanta. Il suo lavoro si caratterizza per una spiccata propensione ad una ricerca connotata

dall’inserimento della luce come materia, attraverso l’utilizzo di oggetti riflettenti e luminescenti

(definito da Vittorio Sgarbi “Neo Pop Bizantino”).

Corrado Bonomi nasce a Novara nel 1956. Terminati gli studi artistici si dedica alla propria

formazione umana e professionale fino al 1982 anno della sua prima esposizione. In passato le

scatolette contenevano sardine. Corrado Bonomi le ha vuotate. Poi ha dipinto una sardina sul fondo

della scatoletta, ad olio: naturalmente. Questo calza a pennello – che lo si chiami “Concettualismo

ironico” o no. Nelle sue opere successive Bonomi ha ulteriormente sviluppato i suoi concetti

recandosi nel regno delle fiabe. Le fiabe si possono intendere come rappresentazioni letterarie di

generi vecchissimi di modi di agire, pensieri e desideri, come riflessioni in un guscio di noce sulla

condizione umana. A queste appartengono i “castelli in aria”. La predilezione di Corrado Bonomi

per la storia delle idee nella cultura ed in particolare nell’arte, lo spinge anche a contraffare opere

d’arte storiche, per esempio dipinti di Arcimboldo. Ma Bonomi non li copia, li ri-produce come

oggetti tridimensionali, come bizzarri busti in plastica. Così acquistano una vita ed una dinamica

propria, eppure sono l’eco della storia.

La ricerca di Massimo Caccia si esprime attraverso una narrazione sospesa e delicata che rivela

una profonda sensibilità nei confronti dell’uomo e della sua quotidiana esperienza. Per raccontare

le debolezze, i desideri, le paure e le speranze dell’umanità Caccia sceglie allora la metafora del

mondo animale, individuando a seconda del tema un particolare essere vivente e collocandolo nello

spazio pittorico spesso insieme ad un oggetto che sottolinea ulteriormente la peculiare condizione

vissuta.

Gianni Cella è nato a Pavia nel 1953, dove vive e lavora. E’ un visionario della vita, artista

prolifico, polimorfo e caleidoscopico, vive in un perenne isolamento adolescenziale. Il clima

delle sue opere è quello dell’ironia agrodolce dei temi trattati, rappresentativi di un immaginario

apparentemente ludico e scanzonato che lascia intravedere un sottofondo di sottile tragicità.



La fotografia spesso e volentieri è un linguaggio violento. Il fotografo prende la mira, scatta, spara

l’immagine, cerca di appropriarsi del mondo, di fermare il tempo, di raccontare la vita. Ma ad

Antonio De Luca viene il dubbio che sia un’operazione di morte e dice: “In giro per il mondo mi

sento più sicuro con una Reflex in mano, alla fine scatti e succede sempre qualcosa che vale la pena

di essere raccolto, mostrato, condiviso; poni dei quesiti e ti sembra di trovare le risposte. Vi è una

componente di piacere fisico nel prendere fotografie, ma v’è anche fatica e paura della caccia. Fare

ritratti, raccontare uomini ti lascia scorie. Non ho più bisogno di cercare il controllo quando scatto

una foto. Transiti, i miei ritratti urbani, sono scattati velocemente, senza inquadrare l’immagine nel

mirino. Non pretendo di dare risposte, vado a spasso con la mia ombra cercando altre ombre, non ho

bisogno di una bella luce, mi basta quella che trovo”.

Salvatore Falci nato a Portoferraio (LI) nel 1950, vive e lavora a Bergamo. E’ docente di Arti

Visive all’Accademia Carrara di Belle Arti di Bergamo, per anni alla Libera Accademia di Belle

Arti di Brescia, e di Metodologia e Tecniche della Sperimentazione Artistica presso l’Università

di Bergamo. Realizza grandi tele, sculture ed installazioni create con l’obbiettivo di comunicare in

maniera forte ed immediata con un pubblico ampio e diversificato. Il tema principale è quello della

soggettività. L’individuo è sempre al centro...

Davide Ferro è nato a Pavia nel 1963, dove vive e lavora. Consegue il diploma in Pittura presso

l’Accademia di Belle Arti Europea dei Media di Milano con una tesi intitolata “Arte come

coinvolgimento sociale”. Attua una trasfigurazione simbolica e cromatica, con cui inneggia la

spontaneità, la libertà e l’innocenza dei bambini coniugata con l’esperienza e l’esistenza dell’adulto.

Mario Finotti, fotografo per molti anni impegnato nella cronaca. Da sempre parallelamente coltiva

un modo personale di guardare e raccontare le persone, l’architettura ed il paesaggio naturale. Con

spirito critico ed ironia e con la voglia di cambiare (secondo le sue limitate possibilità) il mondo che

lo circonda.

Eliana Frontini è nata a Novara, dove vive e lavora. E’ laureata in Arti Visive e Discipline dello

Spettacolo (scenografia e scultura) all’Accademia delle Belle Arti di Brera. Attualmente insegna

Disegno e Storia dell’Arte al Liceo Scientifico Statale “Pascal” di Romentino (NO) e collabora con

periodici locali per le pagine di arte e cultura. Artista e performer, dopo anni di esperienze in bianco

e nero, ha deciso di sposare la causa del colore proponendo lavori new pop, fotografie uniche

stampate su tela e completate dall’inserimento di piccoli specchi la cui funzione è coinvolgere, far

entrare lo spettatore dentro l’opera d’arte.

Florencia Martinez è nata a Buenos Aires nel 1962, vive e lavora a Milano. Dice Florencia

Martinez: “Il tessuto, la fotografia, la pittura e il ricamo: quattro elementi con i quali compongo in

diversa percentuale ogni volta un racconto. Cerco in tutte le maniere possibili di raccontare storie,

modificare punti di vista, nascondere brutture quotidiane, portare alla luce schegge di luce impaurita

e persa. Dipingo con il tessuto, fotografo semplici gesti, sottolineo con l’ago e il filo. Le donne, i

sorrisi, i corpi che scappano, le città che sanno solo di finestre chiuse, l’infanzia come unico spazio

abitabile possibile, di questo parlo”.

Fabrizio Molinario è nato a Novara nel 1968, dove vive e lavora. Dal 2003 partecipa a numerose

mostre personali e collettive con artisti emergenti in ambito nazionale ed internazionale. Fabrizio

Molinario imposta i suoi lavori su un disegno di tipo infantile, quasi primitivo, quella ART BRUT

che utilizza espressioni grafiche barbariche come segno di trasgressione.

Max Papeschi approda nel mondo dell’arte contemporanea alla fine del 2008, dopo un’esperienza

da autore e regista in ambito teatrale, televisivo e cinematografico. Il clamore mediatico sollevato

da una sua opera gigante affissa sulla facciata di un palazzo nel centro di Poznan in Polonia lo

proietta sulla scena internazionale, rendendolo in pochissimo tempo uno dei giovani artisti italiani

più apprezzati e conosciuti all’estero. In soli 5 anni di attività ha realizzato più di un centinaio di

mostre in giro per tutto il mondo.

Massimo Romani è nato a Novara nel 1968, dove vive e lavora. Dopo una serie di sperimentazioni

e ricerche dopo l’Accademia di Belle Arti di Brera, giunge ad una ricerca pittorica figurativa. Oggi,

dipinge con una tecnica realistica, soggetti caratterizzati da una forte carica simbolica ed estetica

estrapolati dalla natura e dall’arte visiva. Elementi che nella realtà sono difficilmente coniugabili,

ma una volta entrati in contatto sono capaci di creare un corto circuito imprevedibile e spiazzante.

Leonardo Santoli è nato a Firenze nel 1959, vive e lavora a Casalecchio di Reno (BO). Pittore e

scultore che dalle origini arcaiche e “concettuale caldo”, continua la ricerca su segni e simboli,

costellazioni e mappe. Reinserisce il tutto come sfondi, in tele e sculture che raffigurano personaggi

che sono una sorta di Arlecchini-Pinocchi. Ha collaborato con numerosi personaggi dello spettacolo

per la realizzazione di scenografie e copertine di album e libri. Sue opere si trovano in numerose

collezioni pubbliche e private.

Giovanni Sesia è nato a Magenta (MI) nel 1955, dove vive e lavora. Dopo aver frequentato

l’Accademia di Brera a Milano inizia a realizzare dipinti caratterizzati dall’accentuato cromatismo

e dal segno forte. Alla fine degli anni ’90 quando viene in possesso di un vecchio archivio

fotografico di un ospedale psichiatrico in abbandono. Le immagini scelte da Sesia evocano la

storia e la memoria e questa tendenza lo ha portato a privilegiare sempre più volti, luoghi e oggetti.

La fotografia diviene per l’artista un pretesto su cui si innesca tutto il suo istinto e la sua ricerca

artistica e l’equilibrio che l’opera trasmette è dato dalle pennellate e dalla grafia, segni che creano

una sinergia tra spazi pieni e vuoti, ma in perfetta combinazione tra loro.