Calendario degli appuntamenti

Venerdì 20 maggio

ore 18, Inaugurazione della mostra con interventi del Presidente dell’Accademia, Fabio Roversi

Monaco, del Direttore dell’Accademia, Enrico Fornaroli e dei curatori

ore 18.40-19.10, Proiezione delle opere di video arte esposte in mostra e presentazione di

alcuni tra i più significativi video artisti nell'attuale scena internazionale.

Ingresso libero

Sabato 21 maggio, ore 19

Anato-mia. Performance diretta da Sissi con la partecipazione degli studenti del Corso di

Metodologia Progettuale della Comunicazione Visiva e del Corso di Laboratorio di Didattica dei

linguaggi artistici.

Ingresso libero

Sabato 18 giugno, alle ore 21

Dialogo del corpo e della musica. Ritmi e ragionamenti in tre quadri.

Spettacolo musicale de “Il Ruggiero” di e con Emanuela Marcante e Daniele Tonini.

Ingresso libero

Visite guidate

Sabato 21 maggio, ore 10; Sabato 21 maggio, ore 12

Domenica 22 maggio, ore 10; Domenica 22 maggio, ore 12

Le visite sono gratuite e saranno condotte da Valeria Roncuzzi e Ambra D’Atri

Apertura mostra: 20 maggio - 30 giugno 2016.

Orari: lunedì-venerdì: 9-19; sabato: 9-13. Domenica e festivi; chiuso

Ingresso libero



IL CORPO NELLA TRADIZIONE DELL’INSEGNAMENTO ACCADEMICO BOLOGNESE

Il processo di apprendimento della riproduzione della figura umana nell’Accademia Clementina è

ricostruito in mostra con un itinerario visivo tra opere grafiche, volumi della biblioteca storica e

statue della preziosa gipsoteca dell’istituto.

L’esposizione suggerisce un intreccio fra una molteplicità di pezzi di natura e tecnica diversi che

esemplificano il rapporto fra arte e scienza dell’insegnamento nel Settecento e agli inizi del secolo

successivo, ancora in gran parte imperniato sul mantenimento della tradizione classicista, e che

prevedeva diverse fasi: dapprima la copia di stampe, poi gli studi della statuaria classica e

dell’anatomia, per poter giungere infine alla copia dal vero.

Il libro d’arte come strumento pedagogico entrò negli studi accademici anche come veicolo di

circolazione della cultura classicista di cui Luigi Ferdinando Marsili, e poi Giampietro Zanotti,

erano sostenitori in ambito bolognese. Marsili, illuminista, convinto sostenitore del metodo

sperimentale, si adoperò, con una concezione di rara sapienza, e con identico slancio rinnovatore

nella creazione dell’Istituto delle Scienze e dell’Accademia de’ Pittori, Scultori e Architetti, per

l’insegnamento nella quale volle mettere a disposizione una molteplicità di fonti, di documenti, di

strumenti didattici che fornissero ai giovani allievi concreti modelli sui quali formarsi.

In questa prospettiva vanno intese le ingenti donazioni di calchi di antiche statue classiche fatte fra

il 1712 e il 1727, alle quali si aggiunsero poi quelle giunte in dono nel 1757 per la munificenza del

pontefice bolognese Benedetto XIV, Lambertini.

Nel versante anatomico l’Accademia conserva le testimonianze dell’impegno nel campo della

riproduzione miologica e osteologica di Ercole Lelli (Bologna, 1702-1766), singolare figura di

artista e anatomista, e dell’influenza esercitata sulla didattica dai suoi Spellati.

Si affiancano manuali di medici che lavorano sui tavoli sectori insieme agli artisti per tradurre la

loro esperienza in compendi con raffigurazioni, dove talvolta con un singolare sincretismo si

sovrapponeva il mondo mitologico a quello della analisi chirurgica: un nuovo classicismo che si

nutriva di naturalismo e scienza.

CLASSICITÀ E ANATOMIA NEI DISEGNI ACCADEMICI

Le prove grafiche scelte sono conservate nel Gabinetto dei Disegni e delle Stampe dell’Accademia

e sono esemplari tematicamente e stilisticamente legati alla ricchezza di riferimenti documentari,

figurativi e scultorei sui quali era imperniato l’insegnamento che aiutava gli artisti ad apprendere e

fare propri tutti i segreti della costruzione dell’immagine umana.

Questi disegni hanno ottenuto quei riconoscimenti che l’Accademia di Bologna era solita conferire

per spronare e incentivare i migliori allievi.

Fra gli autori di questi fogli vi sono artisti come il giovane Ercole Lelli con una delle sue prime

significative testimonianze come pittore di figura (Premio Marsili-Aldrovandi, 1727); un Pelagio

Palagi insieme a Paolo Bernardi e Bartolomeo Valiani (Premio Fiori, sessioni fra il 1798, 1799 e

1804) con varie splendide prove di nudo con posture simili a statue classiche, eseguite a sanguigna,

carboncino e biacca.

Una decina di altri esemplari di artisti fra cui Bernardino Rosaspina, Ferrante Marconi, Francesco

Spagnoli, sono i vincitori del Piccolo premio di assiduità per la Scuola Elementi di Figura.

I soggetti ricorrenti in questo premio sono quelli ammirati da sempre e valutati fin dal Cinquecento

dall’Armenini come indispensabili sussidi per l’esercizio sulle statue antiche; cercati e acquisiti con

passione da un Marsili per diffonderne la conoscenza e facilitarne la riproduzione grafica, in un

interagire tra speculazione teorica e prassi. Sono i famosissimi pezzi del Laocoonte, il Torso

Belvedere, l’Apollo anch’esso del Belvedere, tutti poi celebrati da Winckelmann nella sua Storia

delle arti del disegno presso gli antichi (1764); seguono altri celebri capolavori: i Lottatori, la

Venere dei Medici, l’Ercole Farnese, il Discobolo.

Alcuni vengono ripresi da visuali diverse o in differenti particolari; resi con tratteggi a chiaroscuro

con una sensibilità quasi pittorica, interpretativa e non meramente imitativa del soggetto; altri sono

delineati a solo contorno seguendo un indirizzo più rigoroso, da disegnatore-copista, più fedele al

reperto.

Non mancano prove emblematiche del confronto fra statua e anatomia, come nelle due “nature

morte con arti” di Carlo Zucchelli, o nella Testa di vecchio di Francesco Bonola, tratta dalla Testa di

Seneca di Guido Reni. Numerose sono poi le copie degli Spellati del Lelli, come quella di Giovan

Battista Sangiorgi o copie di tavole anatomiche miologiche come la Anatomia del capo con fasce

muscolari.

Una convergenza di elementi mutuati dalla statuaria classica compenetrati dalle cognizioni

scientifiche: antichità e attualità del corpo.

LA VIDEO ARTE

Le origini

La video arte nasce sul finire degli anni Cinquanta del XX secolo e si sviluppa rapidamente nel

corso degli anni Sessanta nell’ambito estetico Fluxus, un movimento che, come rivela il nome

stesso, intende l’opera d’arte non come oggetto finito e compiuto, ma come processo. L’opera cioè

corrisponde al fare in sé e non al risultato finale. Famosi sono i totem e le piramidi di televisori di

Nam June Paik e i dé-coll/age di Wolf Vostell che variamente agiscono sia sui televisori, sia sulle

immagini trasmesse, come forma ironica di critica ai contenuti delle trasmissioni dei network tv.

Nascita di un genere

Nei decenni successivi la video arte evolve concentrandosi soprattutto sulla propria autonomia dalla

televisione divenendo un vero e proprio genere.

Parimenti ai media tradizionali – pittura, scultura, allestimenti – la video camera e i dispositivi

correlati, divengono strumenti di indagine sul corpo, sulla identità, sulla relazione con il mondo o

vengono utilizzati nella realizzazione di sofisticate installazioni, anche interattive, che interpretano

simbolicamente brani di realtà, cercando un legame tre percezione e cognizione.

La video arte oggi

La scena attuale è caratterizzata dalla sempre più intima interazione tra ripresa ed elaborazione degli

eventi audiovisivi, grazie alla loro integrazione nel computer. Non solo: tale processo di

integrazione di tutti i mezzi in un’unica piattaforma elaborante, favorisce la fusione dei sottogeneri

nati nell’ambito della video arte – quali la video performance, la video danza, il video teatro –

ponendoli sullo stesso piano tecnologico del cinema, del documentario e della grafica

computerizzata, aprendo di fatto uno scenario quanto mai variegato e gravido di possibili evoluzioni

estetiche e stilistiche, determinate dall’ibridazione di linguaggi un tempo eterogenei.

IL CORPO E LA VIDEO ARTE

Fin dalle prime sperimentazioni, negli anni Sessanta del XX secolo, la video arte si interessa al

corpo in virtù di quel principio meccanico che li avvicina intimamente: il movimento.

In linea con l’estetica concettuale, dominante fino alla fine degli anni Settanta, la video arte tende a

descrivere il corpo per come è, ma a partire dal decennio successivo, e ancor di più in tempi recenti,

fino ad oggi, la sensibilità postmoderna, relativista ed ermeneutica, indica il corpo per come

potrebbe diventare.

Oggi la video arte sta evolvendo allontanandosi sempre più dal suo linguaggio tradizionale.

All’integrazione dei software dedicati alla post produzione è corrisposta l’ibridazione dei temi

e delle poetiche, rendendo incerti i confini tra i generi. Così come l’interesse per il corpo, da

sempre al centro delle opere di video arte, da analitico diviene allegorico, inserendo elementi di

narrazione in un contesto simbolico.

Le opere qui proposte offrono una panoramica di questo sviluppo linguistico dove il corpo viene

indagato e rappresentato su più versanti:

 memorie private che si sommano ad archetipi e descrizioni scientifiche (Amaducci,

Manca);

 la relazione di coppia e il mito dell'androgino (Leoni, Mastrangelo);

 la percezione del sé corporeo in relazione allo spazio (APOTROPIA, Insana);

 morte e rinascita (Pires, De Feo);

 la medicina intesa come accanimento sperimentale disumanizzante (Lunardi).

Temi che rientrano nel più vasto ambito dell’attuale dibattito culturale sul ruolo dell’uomo su questo

pianeta.



LA SCUOLA DI RESTAURO DELL’ACCADEMIA DI BELLE ARTI

Nel gennaio 2012 l’Accademia di Belle Arti di Bologna ha ottenuto dalla Commissione tecnica per

le attività istruttorie finalizzate all’accreditamento delle Istituzioni formative e per la vigilanza

sull’insegnamento del restauro parere di conformità sull’istituzione e attivazione del Corso di

diploma accademico di secondo livello in Restauro, abilitante alla professione di Restauratore di

beni culturali secondo la normativa MIUR-MIBAC per i seguenti Percorsi Formativi

Professionalizzanti:

- PFP 1: Materiali lapidei e derivati; superfici decorate dell’architettura

- PFP 2: Manufatti dipinti su supporto ligneo e tessile. Manufatti scolpiti in legno. Arredi e

strutture lignee. Manufatti in materiali sintetici lavorati, assemblati e/o dipinti

- PFP 5: Materiale librario e archivistico; manufatti cartacei e pergamenacei; materiale

fotografico, cinematografico e digitale.

Questo significa che a Bologna è presente e attiva nel territorio una realtà parificata alle Scuole di

Alta Formazione del Ministero per i Beni e le Attività Culturali, quali l’Opificio delle Pietre Dure di

Firenze e l’Istituto Superiore per la Conservazione ed il Restauro di Roma

La scuola di restauro dell’Accademia di Belle Arti di Bologna ogni anno effettua numerosi restauri

e interventi di manutenzione sotto la sorveglianza delle Soprintendenze competenti sia sul

patrimonio di proprietà dell'Accademia, sia per enti pubblici e fondazioni con i quali ha stipulato

specifiche convenzioni.

In occasione della mostra “Le regole del corpo. Norma e arbitrio”, nello spirito di una sempre più

stretta collaborazione con gli altri Dipartimenti, la Scuola ha visto i tre profili attivati coinvolti in

interventi sulle sculture, sui volumi antichi, i disegni, le stampe e sul prezioso dipinto a olio

attribuito a Bartolomeo Cesi. Gli interventi sono stati condotti fin dall’inizio anno accademico, allo

scopo di far fronte alle complesse operazioni di restauro, dando, come sempre, massima priorità alle

esigenze didattiche.

SABATO 21 MAGGIO, ORE 19, AULA MAGNA DELL’ACCADEMIA

ANATO-MIA. PERFORMANCE diretta da Sissi con la partecipazione degli studenti del Corso di

Metodologia Progettuale della Comunicazione Visiva e del Corso di Laboratorio di Didattica dei

linguaggi artistici.

L'artista e i suoi allievi dell’Accademia offriranno un approccio alla visione poetica del corpo

attraverso un’azione performativa, che partendo da una riflessione e un’analisi del tessuto epiteliale

ci condurrà a una sua ricreazione-rigenerazione mediante il tessuto sartoriale. Una sfilata anatomica

condotta nella forma di una lezione di medicina: dai tòpoi classici ai modelli anatomici inventati e

indossati dagli studenti.

Come racconta l’artista «dopo un ciclo di lezioni in cui gli studenti hanno individuato un organo da

studiare e capolarizzare, ovvero re-intitolare capovolgendolo verso nuovi poli, abbiamo ottenuto il

risultato di una anato-mia. Il lavoro che abbiamo condiviso nasce dalla mia opera Anatomia

Parallela. In una delle sue parti, intitolata Analisi del lembo scucito, si definisce la pelle come una

frontiera abitativa, dove gli impulsi si fanno stile per vestirci di emozioni, traslando così la

geografia fisica del corpo in una geografia politica sociale.

Il mio intento è quello di condividere con lo studente l’idea che la pelle si rinnova continuamente,

cellule, epiteli, tessuti, che infine sono abiti. Affrontato lo studio del tessuto epiteliale in una

trasformazione verso il tessuto sartoriale.

Ho trovato sicurezza pensando a questa parte di noi che esce e diventa una veste estranea

indipendente “I corpi sono diventati corpi di stoffa da piegare e ripiegare uno sull’altro, sicché

finalmente si può procedere a stabilire un nuovo ordine facendo stare sete con sete, lane con lane,

tele con tele. La lingua che mi pervade e mi indossa, la bocca che mi succhia e mi spoglia, tutto è

metafora vestimentale. Gli organi sono abiti cui saltano bottoni e cuciture, e che ritornano nella

condizione di pezzi di stoffa…” aperti per essere sentiti come una pelle perduta (Mario Perniola, Il

sex appeal dell’inorganico,Torino, Einaudi, 2004).

Allo stesso modo le emozioni sono nude ma ancora di più senza corpo, sono organi intangibili che

cercano, penetrando nel paesaggio interno, una casa da occupare vestendo altre forme. Bottoni e

arterie per una nuova circolazione (circola-vita).

Alla conclusione dell’attività didattica ogni studente ha creato una sua teoria su come questo mondo

emotivo ci attraversa e ci cambia, visualizzandola in un organo da vestire, un abito scultura.

L’insieme dei lavori sulle parti anatomiche inventate si è evoluto in una performance in cui gli

studenti sfilano indossando le loro ricerche».

SABATO 18 GIUGNO, ORE 21, AULA MAGNA DELL’ACCADEMIA

SPETTACOLO MUSICALE DE IL RUGGIERO

Dialogo del corpo e della musica

Ritmi, racconti straordinari e ragionamenti in tre quadri e un prologo

di e con Emanuela Marcante e Daniele Tonini

La musica e il corpo, il tempo e la condizione umana si confrontano con dialoghi incalzanti, toccati

dall'ironia, che mettono in campo Sant'Agostino e Lacan come le figure del Modello e dello

Scorticato, del Culturista Anabolizzato e della Ballerina, dell'Alieno Ibridato e dell'Uomo

tecnologico e del Robot. La poesia, la danza, il discorrere del corpo come voce e come mente, i temi

del godimento e della sublimazione, come dell'eccesso distruttore e del rimedio guaritore e della

musica come medicina, si intrecciano ai momenti musicali e ad un percorso di rimandi visivi che

dal corpo classico arriva al corpo fotografico, al video e al fumetto. Con musiche che vanno dal

Seicento di Emilio del Cavaliere (La Rappresentazione di Anima et Corpo, 1600) e Monteverdi fino

a Rossini, a Irving Berlin e al contemporaneo, con irruzioni nel mondo della danza del Novecento.

Voci recitanti, canto, flauto, clavicembalo, pianoforte: Emanuela Marcante e Daniele Tonini

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Il Ruggiero/Farbelehre: www.ilruggiero.it

Il Ruggiero, progetto artistico e di ricerca per musica, storie, poesia, arte è stato fondato nel 1993 a Bologna

da Emanuela Marcante e Daniele Tonini. Il lavoro sulla narrazione, la poesia, la voce, la musica, il teatro,

il visivo è alla base del progetto e del nome, che collega il Rinascimento del cantar ottave dell’Orlando

Furioso alla contemporaneità.

Il Ruggiero è stato attivo in tutta Europa e in Nord/Sudamerica con produzioni musicali e teatrali in

collaborazione con istituzioni, teatri e università, con il sostegno del comune di Bologna, della Regione

Emilia Romagna e del Ministero degli Affari Esteri. Il rapporto artistico e didattico con University of British

Columbia di Vancouver (UBC) e l'Istituto Superior de Arte (ISA) de L’Avana (Cuba) e la collaborazione con

University of California-Los Angeles (UCLA) ha condotto a spettacoli e collaborazioni a partire da Il

Ritorno di Ulisse in Patria di Claudio Monteverdi ( drammaturgia, testi, regia ed elaborazione per ensemble

di strumenti antichi, elettronica, improvvisazioni libere a cura di Emanuela Marcante e Daniele Tonini) nato

per Bologna 2000, Capitale europea della cultura. Ha dedicato tour internazionali alla musica e al teatro

ebraici.