Dal 7 marzo al 2 aprile 2024, l'AAIE è onorata di presentare la mostra collettiva "Moriana". Questo tema deriva dal romanzo affascinante di Italo Calvino "Le città invisibili", che trascende i confini fisici del paesaggio urbano e si addentra in un vasto regno di metafore, dove l'intersezione di dualità ci fa comprendere meglio le città, le strutture sociali e le persone stesse. Questa mostra presenterà ceramiche, dipinti e fotografie di artisti come Huang Min, Ma Jun, Li Xu e Vanshika Agrawal, che esprimono sottilmente il tema del superamento delle sottili dualità—il realismo tangibile e la sospensione eterea e la giustapposizione di narrazioni dei paesi in via di sviluppo con esperienze narrative europee, invitando gli spettatori a riflettere sui paradossi e sulla simbiosi intrinseca nell'esperienza umana. La mostra è curata da Zhu Yaning, con Chen Jiazhen direttore visivo.

La città di Moriana si trova nel settimo capitolo de "Le città invisibili", quinta parte della serie "La città e gli occhi". È una città a due facce senza spessore. "C'è solo un davanti e un dietro, proprio come un foglio di carta. C'è un personaggio da questa parte e un personaggio da quella parte. Non possono essere separati o guardarsi l'uno l'altro." Sono come le carte dei tarocchi. Le due facce sono altrettanto inseparabili: la parte geometrica e cristallina suggerisce il rovescio caotico e desolato. Come Marco Polo ha discusso specificatamente il potere dell'immaginazione con Kublai Khan, si chiese se ciò che vedeva era reale o una proiezione della loro mente. Questa mostra utilizza questo tema per discutere il desiderio di catalisi nella società umana e la grande rivelazione nel vuoto - liberarsi dai lacci delle idee preconcette e comprendere l'intersezione, l'equilibrio e l'attrazione reciproca tra immaginazione e realtà—relazione complessa. Da una parte, l'immaginazione è sempre basata sulla realtà, anche negli aspetti disturbanti.
D'altra parte, la realtà è un prodotto dell'immaginazione, e il sovrapporsi di immaginazione e realtà non è materiale, sollevando questioni sul soggetto del mondo immaginario. Moriana è uno dei simboli di questa contraddizione, poiché il sistema invisibile che unisce le grandi forme dell'es

istenza con il caos invisibile del mondo contingente è la superficie delle città e della società umana stessa, petali sottili e trasparenti, preziosi e assoluti. Attraverso di esso, la bellezza si sovrappone e affronta la desolazione e la desolazione della società umana.

In questa mostra, l'opera "Porcellana·Carne" di Ma Jun e l'opera "Nuova Serie Cina - Coca-Cola" creata congiuntamente da Ma Jun e Huang Min fanno eco a questo tema. "Nuova Porcellana" è l'etichetta dell'artista Ma Jun. Ha usato la ceramica per ridefinire televisori, bottiglie di profumo, rossetti, Coca-Cola, libri e persino carne con smalto celadon rosso. La porcellana - come simbolo rappresentativo dell'antica civiltà cinese, corrisponde ai beni di consumo moderni della civiltà occidentale. L'"esportazione" culturale della porcellana come simbolo dello spirito filosofico orientale e l'"importazione" dei metodi di consumo occidentali che trasformano la vita cinese sono poli opposti in periodi storici diversi. L'artista trasforma i beni di consumo occidentali moderni nello stile della porcellana cinese antica, usando un approccio giocoso. Questo sentimento paradossale fa eco al nostro stato attuale!

L'"Album di Caratteri" dell'artista Huang Min e il lavoro fotografico "Migliaia di Miglia di Fiumi e Montagne" sono presentati in modo più realistico o surreale. La sua capacità di trasmettere un nuovo ordine estetico attraverso semplici personaggi sfida i gusti consolidati. Inoltre, ci invita a riconsiderare la nostra realtà. Le opere multimediali di Huang Min sono note per il loro linguaggio pittorico unico, e questa mostra ci offre una nuova prospettiva sui nostri dintorni e sugli individui al loro interno, trasformando figure ordinarie in affermazioni profonde sulla vita contemporanea.

I dipinti di Li Xu riflettono il processo di trasformazione di un'intera generazione. Venendo da un'accademia tradizionale, Li Xu è passato dal realismo tradizionale alla pittura espressiva attuale. Le opere di Li Xu hanno realizzato la sua trasformazione fondamentale e il progresso nel linguaggio pittorico e nel pensiero creativo. Questa mostra presenta una serie di piccole opere create da Li Xu nel 2023. Non solo possiamo vedere il passaggio di Li Xu tra diversi spazi geografici, ma possiamo anche percepire la natura ideologica e umanistica dei suoi dipinti e le sue vedute su questioni sociali e esseri umani. Esplora e pensa a un livello più profondo.

Vanshika Agrawal è un'artista visiva e performativa indiana con sede a Roma che esplora il delicato equilibrio tra il materiale e l'immaterialità, il corpo e l'ambiente. La sua pratica multifaccettata spazia dalla pittura e installazione alla poesia e fotografia, interagendo con temi di dualità, fragilità e sacralità dell'ordinario. Il lavoro di Agrawal esplora profondamente i rituali culturali e l'esperienza umana, presentando un sottile dialogo tra passato e presente, appartenenza e desiderio.

Questa mostra non è più solo un dialogo tra Kublai Khan e Marco Polo, ma un tipico dialogo tra le società orientali e occidentali. Come Giorgio Manganelli ha sottolineato in un articolo del 1988 su Il Messaggero: non abbiamo più una dicotomia tra ordine e disordine, chiarezza e oscurità, ma una dichiarazione inequivocabile della complessità del mondo che si riflette e intravede il suo opposto—come uno specchio a doppia via, che riflette entrambe le sue anime in modo chiaro, preciso, insondabile, irriducibile.

Huang Min, nata nel Sichuan nel 1975. Nel 1998, si è laureata presso il Dipartimento di Pittura ad Olio dell'Accademia di Belle Arti del Sichuan con una laurea triennale. Nel 2006, si è laureata con una laurea specialistica presso il Terzo Studio del Dipartimento di Pittura ad Olio dell'Accademia Centrale di Belle Arti. Attualmente vive a Pechino.
Nel 1997, ha vinto il premio annuale "Candela d'Argento" dell'Accademia di Belle Arti del Sichuan. Successivamente, nel 1998, ha vinto il Premio di Eccellenza per i Lavori di Laurea dell'Istituto di Belle Arti del Sichuan e il Premio di Bronzo alla Mostra Nazionale di Arte delle Stelle. Nel 2006, ha vinto il primo premio per il lavoro di laurea dell'Accademia Centrale di Belle Arti e la "Borsa di Studio per la Pittura ad Olio di Wang Jialian".
Le opere di Huang Min sono state esposte in molte importanti mostre sia in patria che all'estero. Nel 2007, ha partecipato alla "Doppia Mostra Personale di Huang Min e Ma Jun" presso la L.A Gallery di Francoforte, in Germania. Nello stesso anno, ha anche partecipato alla Fiera Internazionale delle Gallerie di Pechino e alla "Basel" Fiera Internazionale delle Gallerie. Le sue "Figure dell'Album" e la serie "Popolo" sono state esposte nella mostra del 2006 presso la Galleria Proibita di Pechino, mostrando la sua profonda intuizione nella società e nella natura umana.
Nel 2015, alla mostra d'arte contemporanea China8 tenutasi in Germania, Huang Min è stata valutata dai media tedeschi come "l'artista femminile più sorprendente della Cina". Le sue opere sono considerate come riflessioni sulla Cina nel suo insieme e osservazioni specifiche di una regione specifica, concentrandosi sulle condizioni di vita e i desideri del popolo cinese ordinario. Il curatore Du Xiyun ha commentato che le sue opere hanno una forte potenza, un linguaggio formale e materiali ricchi e variati, scoprono problemi dal punto di vista dei diritti civili contemporanei ed esprimono questi con tecniche figurative sincere e potenti.
La carriera artistica di Huang Min è più ampia delle mostre collettive. Ha anche tenuto molte mostre personali, come la mostra personale "Black Bridge-A Micro-Narrative" presso la 3 Gallery di Pechino nel 2014 e la mostra personale "Black Bridge-A Micro-Narrative" presso la Xiuci Contemporary Gallery nel 2010. "Landscape, Landscape" la mostra personale di Huang Min. Queste mostre personali dimostrano ulteriormente la sua importante posizione e prospettiva unica nell'arte.
Huang Min ha occupato un posto nell'arte cinese e anche in quella internazionale con la sua profonda comprensione dell'arte e tecniche espressive uniche. Le sue opere dimostrano la sua acuta osservazione dei fenomeni sociali e riflettono la sua profonda intuizione nella natura umana. Attraverso la sua arte, Huang Min continua a dialogare con il mondo, mostrando le varie facce e profonde connotazioni dell'arte contemporanea cinese.

Ma Jun, nato a Qingdao, nella provincia di Shandong nel 1974, è uno scultore cinese di spicco. Nel 1999 si è laureato con una laurea triennale presso il Dipartimento di Scultura dell'Accademia Centrale di Belle Arti. Ha ottenuto un master presso la stessa accademia nel 2003. Dal 2003, Ma Jun lavora come personale docente nel Dipartimento di Belle Arti della Scuola di Dramma, Cinema e Televisione, Università della Comunicazione Cinese.
Nel 2014 ha tenuto una mostra personale "Ink" presso la Galleria 3 a Pechino e ha esposto "Nothing" presso la Galleria Michael Schultz a Berlino, Germania. Nel 2012 e 2011, le sue opere "Fragile" e "Porcellana·Porsche" sono state esposte rispettivamente presso la S.E Gallery a Bergen, Norvegia, e presso il Dallas Asian Contemporary Art Museum negli Stati Uniti, dimostrando la sua profonda esplorazione dei materiali e dei simboli culturali. Per quanto riguarda le mostre collettive, le opere di Ma Jun sono state esposte in molte importanti esposizioni nazionali e internazionali. Nel 2015 ha partecipato alla mostra "Myth" e "On the Road - Chinese Young Artist Nomination Exhibition" a Pechino, così come alla mostra d'arte contemporanea cinese "CHINA.8" a Hagen, Germania. Le sue opere esplorano l'integrazione e il contrasto tra le culture cinese e occidentale, principalmente attraverso il dialogo tra la porcellana, simbolo culturale tradizionale cinese, e la cultura dei consumatori occidentale, dimostrando le sue intuizioni uniche sull'integrazione e la collisione culturale.
Ma Jun ritiene che la porcellana non sia solo un simbolo rappresentativo della civiltà cinese antica, ma anche dello spirito della filosofia orientale. Rielaborando i beni di consumo moderni occidentali sotto forma di antica porcellana cinese, crea un'espressione artistica giocosa e profonda, che riflette lo stato pluralistico attuale della società e la complessità dell'identità culturale. Questa unica esplorazione artistica sottolinea l'integrazione di tradizione e modernità e sfida la comprensione convenzionale dei valori culturali e del comportamento dei consumatori da parte del pubblico. Le opere artistiche di Ma Jun hanno conquistato un posto nel mondo dell'arte contemporanea con i loro profondi spunti culturali e innovative tecniche espressive.

Li Xu, nato nel 1970 in Mongolia Interna, Cina, è un artista ben noto sia in patria che all'estero. La sua carriera artistica si estende tra Pechino, Cina e New York, Stati Uniti. Li Xu ha un solido background nell'educazione artistica. Si è laureato presso il Dipartimento di Pittura ad Olio dell'Accademia di Belle Arti di Tianjin nel 1997. Successivamente, si è laureato nella classe di laurea specialistica e nel dottorato del Quarto Studio del Dipartimento di Pittura ad Olio dell'Accademia Centrale di Belle Arti nel 2004 e 2012, rispettivamente, dimostrando la sua competenza nel campo artistico: realizzazioni professionali e ricerca incessante.
Il processo creativo di Li Xu è unico e poetico. Di solito crea a notte fonda. Raccoglie e osserva le informazioni durante il giorno e inizia a filtrare e organizzare queste informazioni di notte. Queste immagini vengono trasformate in dipinti nel tempo illusorio e nello stato di mezzanotte. Li Xu descrive questo processo come "l'illusione diventa più reale - realtà astratta". Questo metodo creativo unico consente alle sue opere di presentare uno stato di nulla, mostrando al contempo universalità ed eternità, coprendo elementi del passato e del presente, ordine e caos, tradizione e tempi contemporanei. Queste opere rivelano la natura poliedrica della pratica pittorica e riflettono il mondo interiore degli esseri umani nell'era dell'informazione digitale.
Li Xu ha condotto un'analisi e riflessione approfondita su se stesso attraverso le sue opere artistiche, esplorando la ricostruzione interiore e il rilascio della logica emotiva nell'ambiente attuale. Le sue opere rivelano questa complessità attraverso immagini frammentate e sono interventi artistici nel presente che sono rigorosamente ricercati.
I successi artistici di Li Xu sono stati ampiamente riconosciuti. Le sue opere sono state esposte in rinomate istituzioni artistiche nazionali e internazionali, tra cui il Museo Nazionale d'Arte della Cina, il Today Art Museum, il Museo d'Arte dell'Accademia Centrale di Belle Arti, il Museo d'Arte del Zhejiang, ecc., e ha partecipato a diverse importanti mostre d'arte, come il Grand Palais a Parigi, la Biennale di Todi in Italia, ecc. Inoltre, ha tenuto mostre personali presso lo spazio artistico LINLI a Venezia e il Centro per l'Arte Contemporanea AAIE a Roma. Attualmente, le opere di Li Xu sono raccolte da molte istituzioni artistiche, tra cui il Monumento del Millennio della Cina, il Museo d'Arte del Zhejiang, ecc., dimostrando ulteriormente il suo status essenziale e l'influenza nel mondo dell'arte contemporanea.

Vanshika Agrawal, nata in India, è un'artista visiva e di performance poliedrica interessata al design verde e sostenibile. Le sue ricerche artistiche spaziano attraverso vari mezzi, inclusi disegno, pittura, installazioni, performance, poesia e fotografia. Il lavoro di Agrawal cerca di esplorare l'equilibrio tra il tangibile e l'intangibile, concentrandosi principalmente sulla relazione spaziale con il corpo attraverso l'incarnazione. Si è laureata con un MFA in Pittura presso l'Università di Belle Arti di Roma, dove la sua tesi ha esplorato il concetto di effimeralità, stabilendo un nesso tra arte e poesia.
La carriera di Agrawal è stata segnata da collaborazioni con artisti notevoli come Emily Mast, Florence Peake e l'artista serba Marta Jovanovic, arricchendo la sua prospettiva e pratica artistica. Sta migliorando la sua pratica a Roma mentre lavora come Editor Associato per Planted Journal. I suoi contributi artistici sono stati riconosciuti in varie esposizioni, incluse la Biennale di Lucca Cartasia 2022 a Palazzo Ducale, Lucca, e mostre presso La Nuova Pesa e Maja Arte Contemporanea a Roma. Inoltre, il suo lavoro è stato presentato in numerose mostre organizzate dal Centro AAIE per l'Arte Contemporanea, come Il Decameron 2021, Roma Art Week 2021, Abitudine Artistica Ideologia Eccellente 2022 e Rivers and Roads: Storie Vaganti dell'India 2022. La sua fotografia, che approfondisce il patrimonio culturale e naturale dell'immigrazione in Italia, è stata esposta al Palazzo delle Esposizioni.
La filosofia artistica di Agrawal è profondamente introspettiva, con l'obiettivo di colmare il divario tra i mondi visibile e invisibile e riflettere sull'equilibrio tra conoscenza e ignoto. Il suo lavoro riflette le dualità e la fragilità del nostro mondo in cambiamento, utilizzando una varietà di simboli culturali per esplorare temi di immaterialità, movimento e la presenza esistenziale del corpo nel suo ambiente immediato. Attraverso gesti incarnati, mira a svelare strati di sensazione, alimentando ricordi che consentono di rivisitare momenti fugaci. Le sue performance e dipinti indagano la sacralità del quotidiano, trasformando i rituali di tutti i giorni in atti significativi che evidenziano la natura transitoria della vita.
Le sue esposizioni coprono sia mostre personali che collettive in varie sedi internazionali. Nel 2023, il suo lavoro è stato parte di una mostra collettiva presso il Museo d'Arte Dake a Chengdu, in Cina, una mostra personale intitolata Tra Loro presso la Galleria GSL a San Lorenzo, Roma, e le mostre della Kunstresidenz a Kraftwerk a Bad Gastein, Austria. Il 2022 l'ha vista partecipare al Centro AAIE per l'Arte Contemporanea a Roma, alla mostra Vicino/Lontano al Palazzo delle Esposizioni, Roma, e a diverse performance e spettacoli sotto l'egida del Centro AAIE per l'Arte Contemporanea, tra le altre sedi. Il suo viaggio artistico continua a evolversi, intrecciando le complesse trame di spazio, tempo, cultura ed esperienza umana, creando un connubio unico di arte fisica e concettuale che risuona con un pubblico globale.


INFORMAZIONI AL PUBBLICO
Per ulteriori informazioni sulla mostra e materiale fotografico:
info@aaie.art, cell. 3884604887

Orari di aperture:
Martedì – Sabato
14:00 – 18:00

AAIE Center for Contemporary Art
Via Sermide 7, 00182, Roma. Italy
www.aaie.art
info@aaie.art
+39 06 9760 6993