La seconda mostra della rassegna Selvatico si divide in due spazi,
entrambi a Cotignola, che si affacciano su Corso Sforza: oltre agli
ambienti di Palazzo Sforza, ad accogliere i lavori degli artisti sarà
un bel edificio da poco ristrutturato dal comune: la ex Casa Tarlazzi.
Tutti e sei gli artisti invitati sono scultori e all’interno del loro
percorso mantengono e preservano un forte legame con i materiali e con
una certa attitudine “artigianale” che si riflette in una serie di
linguaggi che potremmo definire “caldi”.
Una radice animista li attraversa e rappresenta uno dei fili rossi che
lega e tiene insieme le differente ricerche, oltre alla loro comune
provenienza geografica e generazionale: pur avendo percorsi artistici
differenti (e di rilevanza nazionale) vivono infatti tutti in Romagna e
sono nati tra gli anni 60 e 70.
La divisione operata da Selvatico sulle discipline e sui generi non
tragga però in inganno: il lavoro degli artisti invitati e il confronto
tra essi parte da queste categorie anche per operare un rovesciamento o
una loro messa in discussione; si tratta perciò di una divisione un
poco semplicistica ma necessaria perché ci permette di mirare al cuore
del problema e scendere in profondità.
Uno spaccato laterale, perfiferico, parziale e partigiano su quella che
è la scultura oggi e su come la utilizzino (e/o se ne liberino) alcuni
giovani autori.
A Palazzo Sforza, Francesco Bocchini (Gatteo) che con la lamiera, il
ferro e la pittura costruisce dei quasi giocattoli (da guerra), che
sono animati da rudimentali meccanismi e rumori grotteschi; le sue
sculture sono aspre e crude, colorate, e hanno a che fare con la
dimensione dello scheletro (uno scheletro imbellettato per la festa)
che si riflette in un gioco ironico, crudele e spiazzante perennemente
in equilibrio tra forte e lieve, poetico e sgraziato. Una scultura
apparentemente fragile e nuda, di anima, di architettura svuotata che
si ibrida e mescola con il quadro e l’installazione e che si muove sul
terreno della leggerezza e dell’ effimero...
Gli altri due artisti che espongono in questo spazio sono Andrea
Salvatori (Solarolo) e Raniero Bittante (Ravenna); Salvatori
riutilizza, trasforma e reinventa, con una incredibile capacità tecnica
e manuale, le ceramiche dozzinali della nonna e della zia (quelle che
avevamo nelle case sui comodini, a centro tavola, o sui mobili buoni e
intoccabili del salotto): il suo è un intervento stupido, dissacrante,
ironico e crudele, capace di ridare nuova vita, con piccole aggiunte e
modifiche, altamente mimetiche, a esistenze e pensieri un po’ scontati
e prevedibili. E così un pugnale, una goccia di sangue, la violenza
dove non te l’aspetteresti mai, destabilizzano, spostano e ribaltano il
senso di queste immagini rassicuranti, innocue e borghesi, infondendo
nuova linfa: ecco allora una damina settecentesca, timorosa, delicata
ed ingenua fare a pezzi, come se niente fosse, un terribile mostro
della palude senza esserne turbata o intaccata minimamente, e così via
in una serie di varianti e citazioni filmiche sorprendenti, spassose e
malvagie. Il gioco della ceramica come materiale prezioso si rovescia
poi in audaci cortocircuiti quando è un giocattolo ad essere
riabilitato artisticamente e “reso eterno”, e fragile allo stesso
tempo, da questo antichissimo materiale.
Bittante è accomunato in qualche modo a Andrea Salvatori da una certa
poetica del micro: il suo intervento scultoreo si riduce a piccole e
minuscole testine e omini di gesso inseriti in paesaggi bucolici o in
interni (letti e corridoi) più metafisico-esistenzial-misteriosi (quasi
horror) realizzati ad incisione (con una tecnica quasi fredda e
oggettiva, da banconota o illustrazione). L'effetto è magico,
catturante e claustrofobico, di azione o accadimento che tardano a
venire; questa frustrante sospensione che azzera la narrazione (cosa è
successo? cosa sta per succedere o succederà?) si risolve in una grande
potenza e forza evocativa, di contemplazione incantata e stupita, o di
sordità anestetica che finisce per tramutarsi in una lievità assurda,
di dolce e surreale straniamento, come avviene nei suoi video che sono
a metà strada tra il sogno e un carillon (ecco di nuovo il suono come
in Bocchini).
Presso la ex Casa Tarlazzi espongono Erich e Verter Turroni
(Gambettola) che, pur avendo lavori e sensibilità differenti, partono
da alcuni materiali industriali comuni a entrambi, quali la vetroresina
e altro (dalla gommapiuma alla plastica); l’alchimia nel e del loro
intervento riesce a rendere “naturali” queste cose e robe da cantiere,
creando e riportando alla luce una sorta di nuova e sconosciuta
archeologia dell'uomo o simili. Una poetica del reperto come se ciò che
è presente nella loro scultura (e immagini) fosse il frutto o il
risultato di perdita o catastrofe, di un incendio che ha bruciato,
corroso e brunito le cose; suppellettili, resti, presenze, fantasmi,
frammenti di storia e storie dissotterrate che i Turroni custodiscono,
salvano, trovano, scoprono e proteggono con un atteggiamento
perennemente stupito. Enigmi, tenebre e forse affetti da riportare
alla luce.
Infine Vernocchi (Gatteo) che utilizza la ceramica per creare texture
sorprendenti che ottiene pressando la terra e filtrandola attraverso le
maglie di reti di vecchi letti che cuoce poi alla fornace; la terra
come materiale magico, vivo e organico e che con un gesto quasi
meccanico (che assomiglia alla pressa per i passatelli) è capace di
liberare e creare paesaggi biologici, frementi e in fermento,
brulicanti e in trasformazione; pianeti lontani e sconosciuti, visioni
al microscopio, in un continuo rimando dal grande al piccolo, dalla
pelle smaltata e raffinata dello smalto alla ruvidità del telaio di
ferro (che è basamento e scultura allo stesso tempo), dalla pesantezza
della scultura al dettaglio raffinato e di grande eleganza.