(S)Colpiti dalla crisi è la collettiva di scultori emergenti, curata da Francesca

Canfora, che affronta la crisi nei suoi più differenti e vari aspetti attraverso

i molteplici linguaggi della scultura: crisi economica, crisi dei valori nella

società contemporanea, crisi personale ed esistenziale.

(S)Colpiti dalla crisi è la mostra allestita, dopo il Centro d’Arte

Contemporanea del Castello di Rivara, in un luogo altamente simbolico e

rappresentativo nella lotta quotidiana alla crisi, attraverso l’impegno a favore

delle imprese: Palazzo Birago, sede istituzionale della Camera di commercio,

industria, artigianato e agricoltura di Torino.

Quando incombe la crisi si sviluppa uno stimolo che porta a reagire alle

difficoltà con più forza e determinazione. (S)Colpiti dalla crisi reca in sé un

messaggio: significa per tutti, e non solo per degli scultori agli esordi, essere

messi alla prova per superare degli ostacoli, con il risultato di venirne temprati

e forgiati.

Da ricerche poetiche molto diverse, emerge nelle opere degli artisti

selezionati un’impressione di fondo, un’inquietudine condivisa: rifiuti e

prodotti di scarto dell’industria vengono monumentalizzati; un angioletto, di

ispirazione classica, legato e imbavagliato, è rinchiuso in una cassa; prodotti

artigianali tradizionali, riplasmati e rivisitati in modo inconsueto, diventano

opere d’arte contemporanea; figure umane sono rinchiuse e stoccate alla

stregua di merce.

L’immaginario così evocato e restituito, se per certi versi potrebbe sembrare

sinistro e inquietante, si rivela, invece - anche a dispetto della materia

pesante spesso utilizzata, come il marmo - leggero, grazie all’ironia che

traspare, sempre.

Gli artisti in mostra: Daniele Accossato, Simone Benedetto, Nazareno

Biondo, Nicolò Borgese, Olivier Genre, Daniele Miola, Renato Sabatino,

Valeria Vaccaro

Ironia e gioco sono gli elementi essenziali delle sculture e delle installazioni

di DANIELE ACCOSSATO. L’artista unisce la citazione classicheggiante

allo spirito irriverente, la padronanza della tecnica ad oggetti trovati, dando

forma a spiazzanti composizioni plastiche. Le sue opere sono sempre

accompagnate da un lieve sentore di inquietudine, permeate da un senso

di contraddizione, peculiare del mondo con cui si devono confrontare. Lo

scultore dà espressione alla propria interiorità attraverso l’estrapolazione dei

soggetti dal loro contesto originario per inserirli in visioni ludiche, percorse,

però, da un’ansia latente.

Scultore poliedrico nella scelta di materiali e tecniche, SIMONE BENEDETTO

utilizza il figurativo come linguaggio per affrontare tematiche spesso legate

al sociale. Le sue opere nascono dal quotidiano, da uno sguardo critico

sul presente mostrando contraddizioni e problemi della società moderna

e fornendo al fruitore uno spunto di riflessione: non danno risposte, ma

suggeriscono domande. Punto forte dell’opera di Simone Benedetto è la

continua sperimentazione di materiali, dai più tradizionali ai meno consueti.

È proprio dall’uso di cemento, resine e siliconi che parte la ricerca di un

artista che raggiunge in maniera sempre più efficace l’espressione della

propria sensibilità indagando con grande potenza visiva temi profondamente

attuali come il rapporto tra uomo e feticcio, le contraddizioni e le costrizioni

di un momento storico in cui l’oggetto tende sempre più pericolosamente a

sostituire il soggetto creando un punto di incontro (scontro?) e discussione

con il fruitore.

Dal marmo, materia e matrice delle sue sculture, NAZARENO BIONDO

fa emergere oggetti del quotidiano in una ricerca di perfezione formale e

rielaborazione concettuale. Le grandi capacità tecniche gli permettono di

giungere ad un gelido iperrealismo con il quale riproduce nei dettagli armi,

rifiuti e carcasse della società contemporanea. Il marmo lavorato “per via di

levare” racchiude in nuce le forme che si rivelano all’artista attraverso il suo

sguardo ironico, ma allo stesso tempo drammatico, sul mondo.

Dall’interesse per l’anatomia parte il lavoro artistico di NICOLÒ BORGESE,

da cui nascono opere nelle quali osteologia e miologia vanno a fondersi con

il mondo moderno e quotidiano. Animali scorticati, privi dello strato epiteliale,

rappresentano la ricerca di una conoscenza più profonda di sé che conduce

ad accanirci contro noi stessi nel tentativo di eliminare la scorza esteriore

che ci nasconde e ci limita, dando origine a un circolo vizioso paradossale tra

desiderio di conoscenza e autolesionismo.

Attraverso la scultura, OLIVIER GENRE, talvolta con un approccio diretto e

immediato, in altri casi in modo più allusivo, restituisce un ideale di rapporto

uomo-natura. In un periodo di confusione e violenza, o semplicemente di

violenta confusione, l’intento della sua ricerca artistica è quello di focalizzare

l’attenzione sulle relazioni tra uomo e ambiente, assumendo come tema

di costante ricerca il ciclo naturale, unica certezza della nostra vita e vero

protagonista della contemporaneità, minacciato com’è ogni giorno dal

degrado crescente prodotto dall’essere umano.

Anche DANIELE MIOLA nella sua ricerca artistica indaga il rapporto più

profondo con la natura e la terra, esprimendo questo connubio attraverso

l’esaltazione dell’essenza più pura della femminilità. Il momento di massimo

splendore dell’essenza umana è il corpo fertile pronto a creare una nuova

vita, in riferimento alle venere votive e alla dea mater dell’era primordiale,

dove la figura femminile diventa un vero e proprio “feticcio” venerata e

temuta.

“icone” presenti nel contemporaneo, dove tutto diventa simbolo e suscita

stereotipi, e ridare così in un certo senso un vero valore alle cose.

RENATO SABATINO usa diversi materiali e tecniche di lavorazione, dalla

lavorazione del marmo alla fusione del bronzo, dalla scultura in legno

alla tradizionale tornitura di vasellame. È proprio utilizzando i prodotto

realizzati con quest’ultima che dà origine a nuove conformazioni e possibilità,

riplasmando archetipi artigianali secondo dettami contemporanei.

La fiamma, il calore e, soprattutto, la combustione (come questa agisce

sugli oggetti modificandoli), sono il soggetto ricorrente e persistente del

lavoro di VALERIA VACCARO. Il fuoco è inteso dall’artista non solo come

fattore di distruzione ma anche come forza creatrice, capace di generare

trasformazioni e di plasmare la materia. È stupefacente come il fuoco

attecchisca sempre, nelle sue opere, su un materiale insospettabile come il

marmo che, di volta in volta, assume sembianze differenti traendo in inganno

anche l’occhio più esperto.