Nuovo appuntamento con la rassegna di
video, concepita da Beatrice Bulgari per In Between Art Film e a cura di
Paola Ugolini per la sala cinema del Museo Novecento. La nuova
rassegna, dal titolo Survival strategies (27 settembre 2019 - 16
gennaio 2020), raccoglie le opere di sette artisti internazionali - Hiwa
K, Santiago Sierra, Regina José Galindo, Maria José Arjona, Mary
Zygouri, Shadi Harouni, Masbedo - che riflettono sul nostro presente,
tragicamente lacerato da sanguinosi conflitti, odi razziali e faide
religiose alimentate da interessi economici e geo-politici.
La rassegna si apre con The Bell Project (2007.2015) Iraq-Italy di Hiwa
K (Sulaymanyya, Kurdistan, 1975), artista che ha cominciato la propria
carriera nel suo paese natale come pittore figurativo. Nonostante
adesso viva a Berlino e abbia smesso di dipingere, ha mantenuto nella
sua pratica un’attitudine realistica che si riverbera nella produzione più
recente. Il video ripercorre la realizzazione del progetto presentato da
Hiwa K alla Biennale di Venezia del 2015, dove ha esposto una grande
campana, realizzata con la fusione dei metalli recuperati durante il
conflitto Iran-Iraq (1980-1988) ed entrambe le Guerre del Golfo (1991,
2003), adornata di bassorilievi che rappresentano alcune opere d’arte
mesopotamica distrutte dall’ISIS. Come in un esperimento alchemico,
mentre il metallo degli ordigni bellici fonde e prende una nuova forma,
tutto il mortale frastuono della guerra si trasforma in un suono di pace
e speranza.
A seguire Palabra destruida (Destroyed word) (2010-2012) di Santiago
Sierra (Madrid, 1965), che da quasi trent’anni realizza opere video e
performance muovendosi sul terreno impervio della critica alle
condizioni socio-politiche della contemporaneità. Scomodo
messaggero della cupa verità del nostro tempo, Sierra mette il dito

nelle piaghe della società contemporanea denunciando lo
sfruttamento del lavoro, la disuguaglianza e la discriminazione. In
questa opera video a 10 canali Sierra mette in scena la distruzione
fisica delle dieci lettere che costituiscono la parola Kapitalism. Ogni
lettera, costruita con materiali diversi, è stata realizzata in un diverso
luogo geografico per poi essere distrutta dando vita a dieci
performance.
La rassegna prosegue quindi con La Sombra (2017) di Regina José
Galindo (Città del Guatemala, 1974), presentato a Kassel in occasione
di Documenta 14. L’artista usa il proprio corpo, fragile e spesso nudo,
per denunciare la violenza contro le donne e, più in generale, quella
sociale, politica e culturale della società contemporanea. Nel video,
Galindo mette in scena se stessa, ansimante, mentre corre inseguita da
un carro armato. Oltre a riportare l’attenzione sull’oppressa condizione
femminile, il video è una denuncia nei confronti del mercato delle armi
e dei paesi che le producono.
Anche Maria José Arjona (Bogotà, 1973) nel video Linea de Vida (2016)
usa il suo corpo come strumento dinamico per riconnettere lo
spettatore al mistero della natura e alla sua intrinseca forza. L’artista,
muovendosi sinuosamente nell’angusto spazio orizzontale fra il
pavimento e le mille bottiglie di vetro appese al soffitto con altrettanti
fili di nylon, imprime a queste ultime un ritmico moto ondulatorio che
ricorda visivamente quello del mare e ricrea artificialmente il
mormorio cristallino dello scorrere dell’acqua per evocare uno stato di
primitività. L'artista scompare fisicamente alla vista per lasciare spazio
all'esperienza, così da riportare lo spettatore alla poetica del rapporto
intimo con la natura.
Nel video Venus of the Rags/In transit/ Eleusis (2014), la performer
greca Mary Zygouri (Atene, 1973) utilizza invece la Venere degli stracci
di Michelangelo Pistoletto per comporre un racconto surreale, girato a
Elefsina (Eleusi), città tristemente esemplare di una scellerata
stratificazione urbana che stride con le rovine archeologiche del suo
glorioso passato. Questa dea ‘in transito’, in cerca di una nuova
ubicazione, diventa il simbolo della condizione di transizione della
stessa Elefsina, nel suo tentativo di rilocare e ricontestualizzare
culturalmente il luogo, le comunità e le identità. Riprendendo alcuni
elementi caratteristici del proprio lavoro, l’artista usa inoltre il proprio
corpo di donna come strumento per un discorso politico (personale e
collettivo), capace di assorbire «le vibrazioni dell’ambiente
architettonico umano e urbano».

Un’altra artista donna, Shadi Harouni (Hamedan, Iran, 1985), è
l’autrice del video seguente The Lightest of Stones, girato in una cava
di pietre del Kurdistan dove un gruppo di uomini, confinati in quel
luogo inospitale a causa delle loro idee politiche, discutono di ISIS, di
leggende e delle sexy-dive americane come Jennifer Lopez. L’artista
con le mani nude scava la terra per estrarre le pietre, dando la schiena
al gruppo di uomini che fra il serio e il faceto continuano a
chiacchierare fra di loro interrogandosi anche sul senso dell’azione
fisica e illogica che la ragazza sta compiendo.
A chiudere la rassegna è Glima (2008), del duo Masbedo (Nicolò
Massazza, Milano 1973, Iacopo Bedogni, Sarzana 1970), che in mette
in scena, con grande efficacia scenografica e narrativa, la tragedia
dell’incomunicabilità e della difficoltà dei rapporti di coppia uomo-
donna, ispirandosi ad un’antica lotta tradizionale nazionale islandese
usata per risolvere le diatribe fra villaggi. Nel biancore accecante dei
ghiacci islandesi, in una natura ostile e indifferente ai drammi umani,
un uomo e una donna legati da lunghe corde di pelle nera, che
ricordano i gatti a nove code delle pratiche sado-maso, si scontrano e
si affrontano in una lotta senza quartiere che non lascerà sul campo né
vincitori, né vinti. La violenza sembra dunque essere l’unico
sentimento che continua a legare i due esseri umani che, ansanti, si
trascinano nella macabra danza della sopraffazione.