fino al 24.IX.2006 Infinite Painting Codroipo (ud), Villa Manin

È bello provocare, anche in un’epoca in cui è sempre più difficile épater le bourgeois. È il gioco che fanno molti artisti, ricercando il lato estremo delle cose e raccontandoci come spesso il limite sia pura convenzione. E anche l’arte in fin dei conti potrebbe essere letta, in chiave postmoderna, come la storia del continuo spostamento oltre confine dell’hic sunt leones. Talvolta sono anche critici e curatori a lanciare provocazioni, con idee e teorizzazioni, nel tentativo di ribaltare modelli e apparenze. Ma è destino statistico che non tutte le ciambelle riescano con il buco, soprattutto quando gli ingredienti, pur buoni se non addirittura ottimi, vengono amalgamati così così, rivelando che dietro alle etichette (e ai titoli) c’è più il mestiere che la bontà della ricetta.
È il caso di questa mostra. La tesi, sia chiaro, è stuzzicante: non si dipinge con il solo pennello. E nel contempo –scrive Francesco Bonami– “è impossibile sfuggire alla pittura”, che diventa un linguaggio a sé in grado di generare codici e contenuti del tutto autonomamente, fino a bucare la tela e a diventare infinita. Nel saggio introduttivo si racconta di come la pittura sia diventata il mezzo di un occidentale “realismo globale”, caratterizzato dall’intreccio di “immagini, spiritualità e materialismo”, in opposizione all’astrazione “generata dal fondamentalismo religioso”. Tesi che sembra frutto di una trovata per un titolo ammiccante piuttosto che un reale motivo scientifico, poiché l’unico realismo che l’Occidente cerca di imporre è quello della tecnologia e del capitale, essendo esso stesso vittima della rappresentazione iconica (non abbiamo tutti in mente due aerei che si abbattono contro due torri?). Ci saremmo aspettati invece un’indagine attorno alle contaminazioni della pittura, alle influenze che altri media hanno avuto sul lin guaggio e viceversa, che sono indagate nella mostra un po’ troppo perifericamente.
Spicca l’eccezionale video Painter di Paul McCarthy (1945, Salt Lake City), che racconta con una narrazione cattiva e acida di un pittore con un grosso naso posticcio. Incapace di articolare qualsiasi forma di pensiero logico, ricorre ad enormi tubi di colore, uno dei quali è di color shit e arriva perfino a mutilarsi in preda ad evidente schizofrenia. O la sempre corrosiva Zeta di Zorro di Maurizio Cattelan (1960, Padova), che prende per il didietro Lucio Fontana. Bello l’olio di Neo Rauch (1960, Lipsia), a cavallo tra neo-pop e fumetti, ma che quasi accantona il realismo deformando le dimensioni di alcuni particolari del corpo. Intenso il video di Rirkrit Tiravaija (1961, Buenos Aires) ripreso di spalle mentre dipinge una delle domande esistenziali più forti, chiedendosi quale sia il posto in cui le persone vanno dopo la morte. I fratelli Chapman citano Goya nel ciclo Disastri della guerra e Marlene Dumas (1953, Città del Capo) realizza acquarelli in cui mescola crocifissioni e volti comuni: le persone sono rese emaciate da un segno che sa letteralmente scavare dentro la superficie. Un po’ come fa Luc Tuymans (1958, Mortsel, Belgio) con Gilles de Binches, in cui la maschera carnascialesca diventa emblema di una condizione di piatto grigiore esistenziale. Numerosi gli altri artisti e pochi gli italiani (ma siamo o no esterofili?), qualcuno forse fuori dalle righe o con lavori non sempre ben scelti. Impossibile non segnalare il Damien Hirst (1965, Bristol) di Redemption, in cui ali di farfalle sono incollate su di un ovale in una composizione in cui si incrociano numerosi simmetrie. Pezzo di una poeticità realisticamente globale.

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daniele capra
mostra visitata all’inaugurazione l’8 aprile 2006