Cos’è la globalizzazione nell’arte?

Allora questa è una mostra sulla globalizzazione nell’arte contemporanea?
Non è il tema della mostra ma un metodo di lavoro che condivido con gli artisti i cui lavori hanno a che fare con la globalizzazione. Per me è una metodologia non so sia dovuta alla mia formazione francese. Quello che di lei mi interessa è la sua capacità di far slittare ciò che intendiamo per modernità, che in arte è cominciata da qualche parte in Europa e si è sviluppata in modo logico, cartesiano tra Europa e Stati Uniti. Questa modernità si rifà a un modello che esclude dalla storia dell’arte le simultaneità e le influenze provenienti da culture differenti che sono state basilari. Per me la globalizzazione è il tentativo di costruire una storia dell’arte che sia un po’ diversa, che non abbia inizio con Duchamp, Matisse e Picasso in Europa e prosegua in modo logico, stringente, fino a Bruce Naumann, M attew Barney o l’Arte Povera. Si sarebbe avuto Matisse senza l’Asia o Picasso senza l’Africa? E come comprendere Merce Cunningam o John Cage senza le loro influenze non occidentali? Ecco cosa mi interessa: un incontro di culture che non sia sistematico e che non appartengono ai filoni dell’arte contemporanea ufficiale e dominante. Questa mostra è un tentativo di rivedere il senso dell’arte contemporanea.

E’ possibile che dopo l’ultima Documenta e le Biennali curate da Szeemann (’99 / ’01), e credo anche con quest’ultima che sta per inaugurarsi, l’Occidente stia devolvendo la propria centralità a favore di continenti periferici ma che ormai utilizzano gli stessi linguaggi dell’arte contemporanea occidentale?
Oggi gli estremi non sono più geografici. La globalizzazione è un metodo che mette a disposizione strumenti per apprendere delle attitudini; insegna a cambiare e non restare comodamente assiepati in un unico modello di vita. La globalizzazione non è esportare pratiche occidentali ma è una metodologia. Essa mette a disposizione un modello incompiuto che per me è la cosa davvero interessante. Non sono d’accordo che il linguaggio in arte sia il medesimo ovunque. C’è, è vero, un linguaggio internazionale ma i contenuti delle opere sono molto diversi e partono dalle specificità. Ci sono, è vero, artisti intercambiabili: del resto nel modello dominante le parti sono intercambiabili. Ma a fianco vi sono artisti che continuamente cambiano l’arte. Il video di Song Dong ad esempio è una critica a Bruce Naumann e ciò è importante perché ne usa il linguaggio e l’estetica ma li porta da una parte altra, il che non sarebbe possibile se l’artista non vivesse in un contesto storico del tutto differente.
La cosa straordinaria è che l’informazione circola. In Cina gli artisti sono assolutamente familiari con la storia dell’arte occidentale. Quello che è preoccupante è che gli artisti occidentali non hanno la stessa familiarità con la Cina.

Non sarà un modello statunitense di disinteresse storico, contrapposto al modello europeo di storicismo colonialistico?
Certo, eppure non è stupefacente che questa mostra provenga dagli Stati Uniti. E non da New York o Los Angeles, ma da Minneapolis una città al centro dell’America che ha subito ondate migratorie dall’Africa e dal Messico e ha sviluppato, lontano da influenze dirette, una curiosità e uno sguardo verso una storia diversa. Non penso che sia stupefacente che il fascino della globalizzazione provenga dagli Stati Uniti. Ad ogni modo la globalizzazione non è la verità in arte, ma è un metodo.

Mi è piaciuto quando hai detto che gli artisti hanno smesso di fare un’arte politica ma non di fare arte in modo politico. Dunque la tua estetica prevede un fine per l’arte?
Per risponderti metterei a confronto i sottotitoli delle due mostre, questa e quella di Szeeman del 1969 When Attitudes become Forms, a cui ho fatto riferimento, considerando che da allora in poi il curatore è diventato autore e gli artisti hanno cambiato il modo, lo spazio e fini del fare arte. Ne 1969 il sottotitolo era Live in your head. Il sottotitolo di questa mostra potrebbe essere invece Live in your world. Gli artisti qui presenti come Song Dong, che per me è un artista esemplare, dicono cose diverse. Naumann faceva le sue performance chiuso nel suo studio e anche se aveva metaforicamente un senso politico restava nel suo mondo, mentre in questa mostra gli artisti hanno un contatto con il mondo reale e cercano di costruire un ponte tra questo e quello interiore a partire dall’esperienza quotidiana. Non so se si tratta di arte sociale e ad ogni modo occorrerebbe studiare caso per caso. Inoltre penso che una mostra informata dal metodo della globalizzazione potrebbe essere anche di natura astratta e restare interessante. Perché interessante è questa simultaneità delle pratiche, di cui parlavo prima. Non vi sono pratiche migliori. E non vi sono gruppi come una volta ma vi è una coesistenza diffusa, dove tutto è possibile, anche se non tutto si giustifica, e dove e l’unica questione è quella di poter inventare nuovi sguardi sull’arte.

Trovo tutto questo discorso un po’ szeemaniano…
Si, è un bel complimento. Non so, certo mi muovo molto ed ho visto molte delle cose che lui ha fatto. Quello che posso dire è che ciò che ho preso dal suo modello è quello di avere fiducia negli artisti. Forse non è carino da dire, ma quello che mi ha inquietato di Documenta è che non ho mai sentito che il curatore avesse questa fiducia negli artisti. L’artista era lì per illustrare qualcosa di ideologico e di estetico ma non era lì per il proprio lavoro. Certamente l’estetica rilanciata da Documenta è molto importante ed esprime il bisogno di cambiare il modo di pensare l’arte e la cultura, e i modelli di lavoro. Ma la fiducia nell’artista viene da Szeemann, perché lui è un hippy e pensa utopicamente che l’artista può cambiare il mondo. Anch’io sono convinto che l’arte può fare la differenza e cambiare il mondo. Forse lo cambia per due o tre persone, ma già così non è male.

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